Variaciones, música clásica y jazz » Clásica

“FUEGO Y SANGRE”, DIEGO RIVERA A TRAVÉS DE MICHAEL DAUGHERTY

admin — Tue, 29 Nov 2011 12:30:45 +0000

El maestro Pedro Halffter (Madrid, 1971) firma uno de los últimos lanzamientos discográficos de Warner Classics, un trabajo al frente de la Orchestre Symphonique de Montréal dedicado íntegramente a Michael Daugherty. Formación y director han grabado tres obras del compositor y pianista norteamericano: Fire & Blood, que da nombre al disco, Flamingo y Ladder to the moon, la primera y la última con la participación del violinista canadiense Alexandre da Costa. Fire and Blood tiene su fuente de inspiración en los frescos que el artista mejicano Diego Rivera pintó por encargo de la Casa Ford en Detroit, verdadera alegoría de la relación entre el hombre y la máquina. La obra, traducida como “Fuego y sangre”, está dispuesta en tres movimientos: Volcán, Río Colorado y Cadena de montaje. El primero habla del sentimiento revolucionario de la obra de Diego Rivera; el segundo es un homenaje a la pintora y compañera de Rivera, Frida Kahlo; y el tercero cierra la obra en apoteosis “maquinista” donde el violín, a cargo de Alexandre da Costa, asume el papel de genuino “trabajador” en medio de una orquesta dispuesta como una gran factoría de sonidos. La pieza ya pudo ser escuchada durante la temporada pasada de la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria con Halffter en la dirección y con Da Costa como solista.

EKATERINA ZÁYTSEVA, ÍNTIMA

admin — Sat, 26 Nov 2011 12:38:44 +0000

Nacida en Ginebra y afincada en Barcelona, Ekaterina Záytseva está considerada como una de las guitarristas con más talento de su generación. A finales del año pasado grabó un disco que ha visto la luz este verano y que bajo el título de Íntimo recoge obras para guitarra escritas por compositores españoles y latinoamericanos durante el siglo XX. Así, el álbum presenta música de Miquel Llobet (1878-1938), Manuel de Falla (1876-1946), Vicente Asencio (1908-1979), Manuel Ponce (1882-1948), Agustín Barrios (1885-1944), Leo Brouwer (1939) y Jorge Cardoso (1949). “La música es un lenguaje de sentimientos capaz de expresar las sensaciones mas íntimas. Melancolía, pasión, tristeza y añoranza brotan de las piezas que forman este disco lleno de calidez, emoción y proximidad. Las cualidades tímbricas de la guitarra responden especialmente ante esta idea de recogimiento desplegando, desde el claroscuro, una sutil riqueza de matices para crear un íntimo lazo entre la música, el intérprete y el oyente”, explica la intérprete sobre el disco. Záytseva obtuvo el Premio de Honor de Grado Medio en el Conservatorio P. I. Chaikovsky de Moscú, donde estudió bajo la dirección de N. Ivanova-Kramskáya. Entre 2002 y 2006 realizó sus estudios en la Escuela Superior de Música de Catalunya con Àlex Garrobé y Laura Young, formándose también en piano con Vladislav Bronevetsky y en música de cámara con Feliu Gasull. Posteriormente completó su formación académica con Zoran Dukic en el Conservatorio de la Haya obteniendo el título de Master of Music. Además ha recibido consejos de grandes guitarristas como David Russell, Aniello Desiderio, Hubert Kappel, Carlo Marchione, Hopkinson Smith o Anastasia Bardina. Esta incursión en el mercado discográfico con La mà de Guido servirá para conocerla un poquito más.

PATRICIA PETIBON Y LA ONE PRESENTAN NUEVO ÁLBUM, “MELANCOLÍA”

admin — Wed, 23 Nov 2011 12:29:19 +0000

La soprano francesa Patricia Petibon y la Orquesta Nacional de España dirigida por Josep Pons presentaron el pasado mes de octubre Melancolía, un álbum de Deutsche Grammophon en el que la cantante aporta toda su expresividad e inconfundible personalidad a algunos de los pasajes más conocidos del repertorio clásico español y latinoamericano. El disco incluye interpretaciones de La Petenera de La Marchenera de Moreno Torroba, una selección de las Canciones negras de Montsalvatge, la canción popular El Vito, Aria (Cantilena) de las Bachianas Brasileiras nº 5 de Villalobos y la primera grabación mundial de Melodías de la melancolía de Nicolas Bacri dedicadas a la soprano. Parte de este repertorio se pudo disfrutar además en los tres conciertos que Patricia Petibon ofreció en España junto a la ONE en el Auditorio Nacional de Música como inauguración de la temporada 2011/2012 “París 1900” de la orquesta. “El sentimiento melancólico aparece en todas las obras del disco, con sus diferentes facetas. No es ya sólo un título, la melancolía es aquí un contenido. La melancolía está unida a la pérdida, al recuerdo, o a la muerte. Es una expresión muy íntima”, explica Petibon sobre el disco. “En este trabajo, he querido darle el color indicado a cada una de las piezas. Hay que usar el acento cubano, el andaluz, o el brasileño Cada obra se pronuncia de un modo. He tenido que cantar a modo de cante jondo, verismo o bel canto… Me vi obligada a inventar nuevos colores”, añade. La soprano quiso además destacar su predilección por la música española durante la presentación del disco y explicó: “Me gusta la mezcla de brutalidad y elegancia en la música española. Hay una especie de cirugía estética en el mundo del canto actual, una belleza vocal establecida. Hace falta ver los defectos en el arte para llegar a la perfección. Las grandes voces expresan más que simple belleza”.

“LAS HORAS VACÍAS” DE RICARDO LLORCA

admin — Wed, 16 Nov 2011 12:35:06 +0000

El sello Columna Música dedica una de sus últimas novedades discográficas a Ricardo Llorca (Alicante, 1962), uno de los valores más prometedores dentro de la nueva generación de compositores contemporáneos hispano-norteamericanos. La discográfica ha elegido su ópera Las Horas Vacías, monodrama para soprano y actriz, piano, coro y orquesta de cuerda con textos del propio compositor. La obra fue estrenada durante la XII Setmana de Música Sacra de Benidorm y representada posteriormente en la Catedral de Berlín en septiembre de 2007; en el Dag Hammarskjold Theater de las Naciones Unidas (Nueva York) en noviembre de 2008; y en el Alice Tully Hall (Lincoln Center, Nueva York) en noviembre de 2010. De su grabación se han encargado la soprano Laura Alonso Padín, la pianista Rosa Torres-Pardo, la actriz Angélica de la Riva, The Manhattan Choral Ensemble dirigido por Thomas Cunningham y The New York Opera Society Orchestra con Emmanuel Plasson al frente. Llorca tuvo como maestros a Roman Alis, Antón García Abril, Luigi Nono, Carmelo Bernaola y Luis de Pablo y posteriormente se trasladó a The Juilliard School, donde trabajó con David Diamond y John Corigliano. En la Julliard ejerció como profesor compaginando su labor docente con su trabajo compositivo y también fue compositor en residencia de la New York Opera Society durante las temporadas 2008/09 y 2009/10. En su repertorio destacan además de Las Horas Vacías, Tres piezas para piano y orquesta, obra estrenada en 1999 por la Orquesta de la Radiotelevision Española en el Teatro Monumental de Madrid e interpretada posteriormente por la Orquesta Sinfónica de Valencia, la Orquesta Sinfónica de Puerto Rico, The New York Opera Society Orchestra, The Savannah Symphony Orchestra y The New Mexico Symphony Ochestra; Concierto Italiano, para flauta de pico, guitarra, clavecín y orquesta de cuerdas, encargo del Museo Reina Sofía / Centro para la Difusión de la Música Contemporánea estrenada en 2002 en el Auditorio Nacional de Madrid; o Tres Piezas para Piano Académica, encargada por el Queen Sofía Spanish Institute de Nueva York en 2001 y estrenada en un concierto dedicado a música de cámara del compositor.

LAS CANCIONES DE JULIO GÓMEZ

admin — Mon, 14 Nov 2011 12:40:02 +0000

La mezzosoprano Anna Tonna y el pianista Jorge Robaina han publicado con Verso un disco dedicado a Julio Gómez que recoge algunas de sus obras más importantes. Se trata de Tres melodías con textos de Heinrich Heine, Zorilla y Ramón de Campoamor; Esperanza, soneto de Juan Ramón Jiménez; Coplas de amores, con letra de Manuel Machado; Remembranza, soneto de F. Rodríguez Marín; Tres canciones con letras de Vicente Medina, los Álvarez Quintero y el califa Radhi Billah; Villancico con texto de Alonso de Ledesma; Seis poemas líricos de Juana de Ibarbourou; De Catorce poemas líricos puestos en música, que incluye una poesía de Miguel de Unamuno; De Cuatro canciones sobre textos de Lope de Vega; y Poesías japonesas. Domingo Julio Gómez García (Madrid, 1886-1973) fue uno de los compositores de la llamada Generación de los Maestros, intermedia entre las de 1898 y 1927, a la que pertenecen también Conrado del Campo, Joaquín Turina, Oscar Esplá, Jesús Guridi y el padre Donostia. Además de compositor fue bibliotecario, profesor, crítico musical, musicólogo, compositor, Doctor en Ciencias Históricas por la Universidad Central y miembro de la Real Academia de Bellas Artes.

MÚSICA DE CARNAVAL CON EL PIANISTA ENRIQUE BAGARÍA

admin — Sun, 13 Nov 2011 12:20:09 +0000

Muchos recordarán el nombre del pianista Enrique Bagaría (Barcelona, 1978) como el del primer español ganador del Concurso Internacional Maria Canals tras 40 años sin que esto tuviera lugar, en 2006. El joven tiene ahora nueva grabación discográfica en el mercado. Se trata de un disco producido por El Far Blau y titulado Carnaval. El álbum recoge la obra Carnaval de Robert Schumann, la inédita Carnaval de Leonora Milà y tres piezas de Liszt. Bagaría se ha formado en Barcelona, Madrid, París y Munich con profesores de la talla de Alicia de Larrocha, Josep Mª Colom, Elisso Virsaladze, Leon Fleisher, Andrzej Jasinski, Ralph Gothoni, Vitaly Margulis, Andrew Watts y Boris Petrushnsky, entre otros. Además de con el Maria Canals, ha sido galardonado en los más importantes concursos nacionales e internacionales como el World Piano Competition (Cincinnati, 1990), el Concurso Principat d’Andorra (1996), el Concurso Frechilla-Zuloaga (1997) o el Infanta Cristina (1998). También ha obtenido el premio Chopin del Concurso Vianna da Motta (Lisboa 2004) y el premio Rosa Sabater al mejor intérprete de música española del Concurso de Jaén (2005). Ha actuado en los festivales de Santander, Peralada o Granada así como en el ciclo de Jóvenes Talentos de París y el Festival Winners & Masters de Munich y junto a formaciones como la Sinfónicas de Galicia, la de Valencia, la de Castilla León, la del Vallès, la OBC y la Salzburger Kammerphilarmonie. Actualmente compagina su actividad como concertista con la docencia en el Conservatorio Superior de Música de Aragón y el Conservatorio Superior de Música del Liceo de Barcelona.

CONOCIENDO A MAURICE OHANA

admin — Wed, 09 Nov 2011 12:23:17 +0000

Maurice Ohana (Casablanca, 1913 – París, 1992) fue no sólo uno de los grandes compositores de la segunda mitad del siglo XX sino también un excelente pianista que durante mucho tiempo se ganó la vida como concertista. Por ello, no es de extrañar la calidad de sus composiciones para piano que, aunque escasas, ocupan un lugar relevante en la historia reciente de la música para este instrumento. A sus Estudios de interpretación (1982-85) ha dedicado su último disco la pianista chileno-italiana María Paz Santibañez. “La importante evolución de la escritura pianística en la segunda mitad del siglo XX, como campo de experimentación técnica y estética, de acuerdo con los nuevos conceptos compositivos, resulta patente en los magníficos Estudios de interpretación de Maurice Ohana”, explica Carles Guinovart i Rubiella en las notas del disco. “Después de lo visto en sus antecesores, con el nombre genérico de Estudios para piano, desde Debussy, Bartók o Messiaen hasta los de Boucourechliev o Ligeti, los de Ohana pretenden alcanzar una cota muy elevada tanto de ejecución instrumental como de comprensión musical”, añade. Cada estudio plantea diferentes cuestiones de la ejecución pianística y del pensamiento musical contemporáneo, siendo muy distintos unos de otros, como indican sus mismos títulos: Cadencias libres (nº 1), Movimientos paralelos (nº 2), Agregados sonoros (nº 3), Tercer pedal (nº 6) y Contrapuntos libres (nº 9) son ejemplo de ello. La obra de Ohana incluye música sinfónica, de cámara, coral e instrumental. Destacan de su producción el oratorio Llanto por Ignacio Sánchez Mejías, la ópera de cámara Syllabaire pour Phèdre, Anneau du Tamarit, para violoncelo y orquesta, su Concierto para piano y orquesta, La Celestina, Office des Oracles y Avoaha, Tiento para guitarra de seis cuerdas, Chiffres de clavecin y Sacral d’Ilx para clave, oboe y trompa. Ahora, gracias a Santibañez y su registro para La mà de Guido podemos conocer un poco más su producción pianística.

TRÍOS Y DIVERTIMENTOS DE HAYDN A CARGO DE ESTIL CONCERTANT

admin — Fri, 28 Oct 2011 07:46:29 +0000

Estil Concertant, agrupación creada por Marisa Esparza en 1998, ha publicado nuevo disco con Arsis después de su paso por el Mayo Musical de Bolea. La formación ha grabado un disco dedicado a los Tríos y Divertimentos de Haydn. De las cuatro composiciones denominadas Tríos de Londres, la grabación incluye las tres primeras (I, II y III). “Los tríos I y III están estructurados en tres movimientos siguiendo el modelo rápido-lento-rápido tan común en Haydn. Sin embargo, el II consta únicamente de un andante con variaciones y un allegro. En algunos casos hay varias versiones manuscritas de un mismo movimiento, como en el Andante del Trío I en Do Mayor, del cual además de la de Berlín conocemos otras dos versiones alternativas igualmente manuscritas”, explica Marisa Esparza en las notas del disco. Completan la grabación cuatro de los seis divertimentos para flauta, violín y violonchelo que fueron impresos por primera vez en julio de 1784 por el editor londinense William Forster. “Haydn utiliza para algunas de estas obras material temático anterior, concretamente de la ópera Il mondo della luna, escenificada por primera vez en 1777. Este tipo de reciclaje no es frecuente en la producción del compositor”, explica la fundadora de Estil Concertant.

“MINIATURAS CATALANAS PARA VIOLÍN Y PIANO”, UNA SELECCIÓN DE LA MÚSICA DE CÁMARA CATALANA MÁS REPRESENTATIVA

admin — Thu, 20 Oct 2011 07:44:33 +0000

La casa discográfica Columna Música ha publicado un disco doble titulado Miniaturas catalanas para violín y piano que refleja con fidelidad la articulación de la música de cámara en Cataluña desde finales del siglo XIX hasta poco después de 1939. “Con la Renaixença, sobre todo a partir de 1859, se fue forjando poco a poco un sistema simbólico que tenía que definir la música catalana. Sin un contexto sociopolítico y cultural que la favoreciese, y que propiciase un sistema de coincidencias ideológicas, sería imposible hablar de una música de cámara con voluntad propia. Estos hechos culturales y sociales privilegiaron unos elementos entendidos mayoritariamente como la referencia de toda la creación de los compositores del país”, explican las notas del disco. Estos grandes temas serían la canción popular, la poesía catalana, la mirada estética dirigida a los repertorios nórdicos, tanto al francés como al germánico más romántico, y, en buena medida, el paisaje del país visto a partir del sistema de símbolos que creaba la literatura contemporánea. Siguiendo esta argumentación, Columna Música ha realizado una recopilación que reúne obras para violín y piano de Toldrà, Massià, Mompou, Grau, Blancafort, Cassadó, Benetó, Granados, Pujol, Pahissa, Morera, Buxó, Lamote de Grignon, Casals, Manén, Massana, Altisent, Montsalvatge, Nin-Castellanos, Candi, Barberà, Farga, Gibert-Camins, Ruera y Salvat. La interpretación está a cargo de dos valores de la música catalana actual como la violinista Kalina Macuta y el pianista Daniel Blanch, que ya han participado en otras grabaciones para el mismo sello.

NUEVO DISCO DEL CUARTETO QUIROGA

admin — Fri, 30 Sep 2011 07:36:51 +0000

El Cuarteto Quiroga publicó a principios de verano el disco Statements (Declaraciones), grabado con la discográfica holandesa Cobra, dedicado a la música de Haydn, Webern y Sollima. En concreto la formación ha grabado Divertimento a quattro op. 20, nº 2 en Do mayor de Haydn, Langsamer Satz y Fünf Sätze für Streichquartett, op.5 de Webern y Sonnets et Rondeaux de Giovanni Sollima (1962). “Las obras que hemos escogido para este CD son para nosotros referencias y ejemplos paradigmáticos de declaraciones musicales. Y hemos querido reunirlas para confirmar de esta manera, en un plano más personal, nuestra propia declaración de intenciones como cuarteto”, dice Cibrán Sierra, violinista de la formación, en las notas del libreto. El Cuarteto Quiroga, compuesto además de por Sierra por Aitor Hevia, también violín, Dénes Ludmány, viola, y Helena Poggio, violonchelo, es hoy uno de los grupos más sobresalientes de la nueva generación europea. Nacido con la voluntad de rendir homenaje a la figura del gran violinista gallego Manuel Quiroga, el cuarteto es un habitual de las salas y festivales más importantes de Europa. A partir de esta temporada va a ser grupo residente en el Auditorio Miguel Delibes de Valladolid tomando el relevo del Jerusalem Quartet y en 2012 realizará su primera gira norteamericana, que le llevará a presentarse en New York, Washington y Los Ángeles.