Y en este contexto, en donde solo parece haber espacio para los recortes de gasto, alguna voz racional debería alzarse para explicar cómo vamos a hacer para que “nuestro estado de bienestar” se sostenga. Porque hasta ahora el único mensaje, comprendido por la mayoría de los ciudadanos, es que hay que apretarse el cinturón, que estamos en años difíciles y que vendrán otros de parecido resultado. Y, sobre todo, lo que trasciende de esta situación es que “las cosas ya no volverán a ser como antes”.

El resultado práctico de esta difícil situación es que donde antes había un gasto de cien ahora hay ochenta y, en el caso de la cultura en general y la música en particular, donde antes había cien, en muchos casos ahora hay sencillamente cero. No hay más que mirar las programaciones desaparecidas, los ciclos hibernados o los festivales que, si hasta ahora no contaban con recursos suficientes, ahora sencillamente les gustaría tener solo la mitad de lo que tuvieron.

Pero la política cultural, y la musical, es algo más que esta punta del iceberg que se manifiesta en las ofertas de programación, en la difusión cultural. Porque si, hasta ahora, uno de los ejes que parecía medir la salud de nuestra cultura musical era el número de salas y conciertos o la grandeza y exclusividad de sus programaciones, quizá sea buen momento para tratar de variar estos parámetros para construir un nuevo edificio en donde tengan cabida, de forma ordenada, las siempre cuestiones pendientes de la creación de una auténtica industria musical española, de la puesta al servicio de los intereses de una mayoría de los ciudadanos de los recursos y medios existentes, del incentivo a la creación, evolución e innovación artística…

Así pues, si “las cosas no vuelven a ser como antes” en el mundo de la cultura en general y en el de la música en particular algo habremos ganado. Pero alguien tendrá que ponerse a la tarea.

En este número de junio queremos rendir un homenaje a dos de las personas que más han aportado en el último medio siglo a la creación musical y a colocar a nuestro país en un escalón de reconocimiento musical internacional impensable, en una historia “dominada”, por los siglos de los siglos, por la música centroeuropea.

Porque este cambio de percepción y de realidad que hoy vivimos no es producto de la casualidad, sino resultado del difícil y, a menudo, quijotesco trabajo de un grupo de compositores nacidos todos ellos en torno a los años 30 y que han conformado lo que ha venido a conocerse como “generación del 51”: Juan Hidalgo (1927), Ramón Barce (1928), Carmelo Bernaola (1929-2002), Josep María Mestres Quadreny (1929), Luis de Pablo (1930), Cristóbal Halffter (1930), Xavier Benguerel (1931) y Joan Guinjoan (1931). Este sería el eje central de esta excelente generación, dos de cuyos miembros, de Pablo y Halftter, cumplen este año su 80 aniversario en un envidiable estado de forma y en quienes queremos hacer significativo nuestro homenaje.

Pero lo mejor es que esa generación del 51 ha hecho posible abrir nuevas puertas a nuevas generaciones de compositores que hoy son una referencia internacional de la música española. Citar todos los nombres nos llevaría a una lista muy amplia pero, solo a título de ejemplo, podemos mencionar de manera intergeneracional, por ejemplo, los nombres de Sotelo, Sánchez-Verdú, Encinar, Macías, Torres, Lazkano, Parra, López López, Camarero, Gerhard, Posadas, Guerrero, Delás, Rueda, Turina, García Abril, Cervelló, Aracil, Marco, Casablancas, del Puerto, Colomer, Balada, Picó, Vivancos… y un largo etcétera de brillantes creadores.

El relevo de la generación del 51, que seguirá todavía dando muchas alegrías, está también, por tanto, asegurado. Lo que hace falta asegurar ahora es que también se produzca el relevo y extensión de un público dispuesto a disfrutar de esta música.

Con muy notables excepciones, el panorama editorial español no puede decirse que preste a la música una atención especial, más allá de las recurrentes y multiplicadas biografías, los diccionarios e historias generalistas y los estudios históricos o técnicos, casi siempre dirigidos a públicos muy minoritarios y que a menudo no encuentran caminos para su distribución fuera del ámbito académico.

Uno de los esfuerzos más sostenidos y más serios de divulgación de literatura musical lo ha venido realizando en los últimos 25 años la editorial Alianza en su colección de Música que en estos momentos mantiene en su catálogo en torno a 70 títulos de los alrededor de 110 publicados, lo que significa también que algunos de sus títulos más importantes están actualmente descatalogados y son imposibles de encontrar en las librerías.

“Sobre la ópera” es una de las más sugerentes y atractivas novedades editoriales en este mes de ferias y celebraciones literarias, obra que debería interesar no solo a los amantes del género sino a todos los aficionados de la música. Las reflexiones del gran filósofo inglés -una de las personalidades más relevantes en el pensamiento del siglo XX y miembro del Comité Rector de la Nacional English Ópera durante más de 35 años- se recogen en dieciséis ensayos publicados entre 1973 y 2002 y ahora reunidos en este volumen, en los que desmenuza algunas de las obras y autores más importantes o que más influyeron y fomentaron su afición.

En el último de los ensayos, titulado “Amantes de la ópera ingenuos y sentimentales”, Williams hace la siguiente reflexión: “Al amante de la ópera le encanta ésta como una forma de arte musical y dramático, y a partir de ahí se deducen directamente varias cosas. Una es que al amante de ópera no solo le apasiona la ópera: en particular disfruta también de la música no operística. La gente a la que le gusta la ópera pero no otro tipo de música está expuesta a la interpretación de que lo que le gusta realmente es ir a la ópera, un gusto que como es sabido puede coexistir con no tener en menor interés por ella. Una vez más el amante de la ópera no es alguien al que solo le preocupan el talento y los logros de los cantantes, pero está tan poco interesado en lo que cantan como lo están algunos de ellos. Es posible combinar ambos intereses y sentir placer al acumular nuestras experiencias de la interpretación de ciertos artistas, como otros coleccionan interpretaciones de óperas raras”.

Esta amplia difusión y presencia en el mundo musical se consolida ahora con la publicación de Variaciones en la red. Desde la primera semana de marzo los aficionados pueden acceder a todos los contenidos de la revista, en la dirección www.variaciones.es de dos formas diferentes: bien navegando por las distintas secciones temáticas y estilos o bien consultando o descargando en PDF la revista original, tal como es publicada cada mes. Desde la web es asimismo posible suscribirse al servicio personalizado de noticias para recibir los newsletters que mensualmente enviamos desde nuestra redacción, o bien suscribirse a través de las alertas RSS a aquellas secciones que considere más interesantes.

La página cuenta también con el servicio de Agenda de Conciertos más completo de cuantos pueden encontrarse en la red. A la Agenda es posible acceder para consultar las programaciones en las diferentes Comunidades Autónomas. Cada información de los conciertos está enlazada además con la web del escenario –teatro, auditorio, festival, etc– donde se celebra el concierto para que los usuarios puedan acceder a las informaciones complementarias que deseen o, en su caso, puedan adquirir las entradas vía web. Nuestra Agenda de Conciertos se actualiza permanentemente e incluye centenares de propuestas cada mes. Pero somos conscientes de que solo se trata de una pequeña parte de la gran oferta musical que existe en todo el territorio nacional. Por ello ofrecemos también la posibilidad de que cualquier programador o persona interesada pueda acceder a nuestra web y añadir sus conciertos para que aparezcan en la Agenda.

Como ha ocurrido con la revista Variaciones, estamos seguros de que también, en muy breve espacio de tiempo, nuestra web será la más visitada y el medio más importante de la red dedicado a la música clásica en nuestro país. Ustedes, nuestros lectores y los aficionados repartidos por todos los rincones de España, a los que hasta ahora nos resultaba imposible llegar con el ejemplar impreso, tienen la palabra. Nosotros les agradecemos su confianza y trabajaremos para seguir siendo la referencia informativa de la música clásica en España.

La primera cuestión que poníamos de relevancia era la excesiva dependencia, por no decir total, que la difusión de la música clásica tiene de los presupuestos públicos y su relación con la escasa apuesta por la autofinanciación de las actividades musicales, salvo notables excepciones.

No es menos importante plantearse también en este contexto de crisis cuál es el futuro que les aguarda, o cuál es el futuro al que aspiran los músicos españoles. El mundo de la música en España, desde el punto de vista de la interpretación, podemos clasificarlo en tres grandes grupos: las orquestas sinfónicas –en torno a 30, repartidas por todo el país–, todas ellas dependientes de diferentes Administraciones Públicas; las agrupaciones o grupos de iniciativa privada; y los intérpretes solistas, sean estos instrumentales o vocales.

Las orquestas sinfónicas son en su mayoría agrupaciones creadas en los últimos treinta años que han venido a cubrir un espacio fundamental, orquestas consolidadas unas y en proceso de crecimiento otras, pero todas ellas desarrollando un extraordinario papel en la difusión y la extensión de la música hacia nuevos públicos. Sin duda uno de los grandes logros de la música en estos años es la tarea musical y pedagógica desarrollada por estas formaciones a las que la crisis, en principio, no debería afectar.

Pero no todo es música sinfónica. Y es aquí donde nos encontramos con el segundo segmento, el de las agrupaciones musicales de iniciativa privada, las pequeñas y medianas agrupaciones dedicadas a la interpretación de los repertorios medieval, renancentista o barroco, la música de cámara, la música coral, los grupos de música contemporánea. En este segmento, que representa en torno al 90 por ciento de toda la oferta musical –en torno a 15.000 conciertos al año– nos encontramos con un sector desestructurado, con grandes problemas para hacerse un lugar en los escenarios españoles y “amenazado” por la presencia de centenares de agrupaciones extranjeras que cada año pasan por España. ¿Por qué esa presencia abrumadora de agrupaciones extranjeras en las programaciones de música en España? ¿Porque lo extranjero vende mejor? ¿Porque tienen más calidad? ¿Porque son más baratas? ¿Porque cuentan con mejores estructuras artísticas y comerciales? Es posible que haya un poco de todo eso. Pero los grupos españoles deberían aprovechar el momento, la actual situación, para considerarla como una oportunidad y tratar de imitar las mejores prácticas –artísticas, profesionales, económicas y organizativas– desarrolladas desde hace años por estas agrupaciones europeas. No basta con que las Administraciones Públicas se conciencien sobre la necesidad de apoyar a los intérpretes y agrupaciones españolas. Es momento también de que estos grupos de música hagan una reflexión sobre su futuro, sobre el carácter profesional de su actividad, sobre el lugar que desean ocupar en el mundo de la música y sobre su adaptación al mercado.

Si en 2009 fueron evidentes los recortes en algunas de las más notables programaciones musicales que se realizaban en todo el territorio nacional –temporadas y festivales–, en 2010 los recortes han dado paso, en muchos casos, a la eliminación total de propuestas musicales que, poco a poco, habían ido construyéndose en los más diversos escenarios y localidades. Festivales y ciclos de renombre están anunciando la imposibilidad de sostener el número y la calidad de los conciertos y, en la mayoría de los casos, algunas de estas citas anuales, que en estos momentos deberían tener ya cerradas sus programaciones, se encuentran con la realidad de que les resulta imposible asumir compromiso alguno porque desconocen qué presupuesto tendrán para la puesta en marcha de sus actividades.

Resulta evidente que la crisis también ha llegado al mundo de la cultura en general y de la música clásica en particular. No podía ser de otra manera. O quizá sí, si las estructuras en las que se mueve la difusión de la música clásica en España tuvieran una configuración diferente. Y es en los momentos de crisis cuando es posible, al menos, reflexionar sobre cuál es el modelo de cultura sostenible que deseamos establecer.

La cuestión que se evidencia con mayor relevancia es la de la dependencia absoluta del mundo de la música clásica de las subvenciones oficiales, tanto del Ministerio de Cultura como, en mayor medida, de las Administraciones Autonómicas, Provinciales y Locales. Una gran mayoría, por no decir la totalidad, de las programaciones musicales que se desarrollan en España es financiada en un muy alto porcentaje por las Administraciones Públicas y entidades asimiladas. Las políticas públicas culturales han alentado el desarrollo de una “industria cultural” basada en ofrecer “la más alta calidad al menor precio”. Y los ingresos por taquilla de todos estos eventos musicales apenas si llegan a cubrir –salvo algún caso excepcional–, en el mejor de los supuestos, el 20 por ciento de los costes. Así que cuando estas Administraciones recortan o suprimen el apoyo a estas programaciones –por falta de recursos o por falta de sensibilidad– los eventos sencillamente desaparecen.

La política cultural de “todo gratis” o “muy barato” es una opción más populista que popular, y a la vez es una opción que impide la consolidación de una “cultura sostenible”. La cultura –la música– gratis o medio gratis cobra sentido cuando lo que se está propiciando tiene que ver con la construcción de un tejido cultural propio, cuando se están desarrollando iniciativas que tienen que ver con la extensión y captación de nuevos públicos, cuando se está apoyando la democratización del acceso a la cultura. Pero resulta difícil de entender, por ejemplo, que las “grandes estrellas” apadrinadas por el marketing musical hayan convertido a España en los últimos años en su paraíso y que estén disponibles en nuestros escenarios a precios “populares” mientras que los espectadores del resto del mundo pagan por asistir a sus conciertos tres y cuatro veces más que lo que pagan los espectadores españoles. (Continuará)

Alex Ross realiza aportaciones y desarrolla argumentos en su libro que asombran por la clarividencia y por la comprensión global del desarrollo del arte de la música en el siglo XX. Pero, quizá, una de las cuestiones más candentes que plantea es el sentido mismo de la creación musical en el pasado siglo y en los primeros años del presente y su notable esfuerzo por explicar cómo la música destruye los muros sociales que se han querido levantar entre las que se han venido llamado músicas clásicas y músicas actuales. “En los comienzos del siglo XXI, –escribe– el afán de enfrentar la música clásica a la cultura pop ha dejado ya de tener sentido intelectual o emocional. Los compositores jóvenes han crecido con la música pop resonando en sus oídos y se valen de ella o la ignoran según lo exija la ocasión. Están buscando el terreno intermedio entre la vida de la mente y el ruido de la calle. Asimismo, algunas de las más intensas reacciones a la música clásica contemporánea del siglo XX han surgido en el mundo del pop, definido en un sentido amplio. Las afinaciones microtonales de Sonic Youth, los opulentos diseños armónicos de Radiohead, las indicaciones de compás rápidamente cambiantes del math rock y de la música dance inteligente, los arreglos orquestales elegíacos que apuntalan las canciones de Sufjan Stevens y Joanna Newson: todos ellos prosiguen esa conversación, que viene de antiguo, entre tradiciones clásicas y populares”. Y, poco después, concluye: “Un posible destino para la música del siglo XXI es una “gran fusión” final: los artistas pop inteligentes y los compositores extravertidos hablando más o menos el mismo idioma”. Ni más ni menos: música.