Hablamos con Silvia Márquez y Antonio Clares, líderes del grupo y animadores incansables de proyectos como el presente que han asentado el prestigio de la formación.

Que un grupo español sea el primero en grabar a nivel mundial esta integral de las “sinfonías Salomon” de Haydn resulta, a priori, sorprendente.

Es cierto. No existe una grabación integral de estas versiones de Salomon hasta el momento. Sí hay tres o cuatro grupos extranjeros que tienen grabadas algunas de las sinfonías en uno o dos discos. Pero como integral es la primera vez que aparece, y eso suponía un reto importante tanto para nosotros como para el sello discográfico, Música Antigua Aranjuez. A modo de reivindicación, podemos decir que estamos contentos de que sea un grupo español el que haya realizado esta integral. En esto debemos dar las gracias a Javier Estrella, porque de su mano estaba haberla encargado a cualquier grupo extranjero, como viene siendo costumbre en numerosas ocasiones en este país.

Algo está cambiando probablemente en el panorama de los grupos españoles.

Sí, efectivamente. Creemos que es hora de que se empiece a reconocer el trabajo de tantos músicos y grupos españoles que ven cerradas sus posibilidades aquí, por ser españoles, y allá, fuera de nuestras fronteras, por ser españoles. En cierto modo pareciera que los grupos españoles estamos obligados a dirigir nuestros esfuerzos únicamente a la recuperación de nuestro patrimonio, que ciertamente es importante, y que el repertorio universal es tarea de grupos foráneos.

La Tempestad es un grupo de formación variable y en este proyecto habéis trabajado con un número estable de músicos. Eso habrá tenido sus ventajas.

Las Sinfonías de Salomon nos han permitido contar durante muchos conciertos con el mismo número de músicos y crear así una complicidad que se siente en directo. Salomon nos ha dado la posibilidad de tocar con un número reducido de músicos estas obras maestras y de manejarlas a nuestro antojo, como si de un cuarteto de cuerda se tratara; el disfrute de la música orquestal mezclado con la inquietud de ser responsable único de cada voz, y, por tanto, tener también efecto directo en el resultado final. La belleza de estas versiones radica así en la frescura del diálogo espontáneo de la música de cámara. Como venimos diciendo hace tiempo, este ha sido uno de los mayores retos de nuestra vida musical. Y tenemos que agradecer a Salomon, más de doscientos años después, que se tomara el inmenso trabajo de realizar estos arreglos, además a conciencia y con gran oficio, como lo hizo.

El proceso de gestación de este proyecto ha sido largo.

Sí, ha sido bastante largo, y su origen está absolutamente ligado al Festival de Música Antigua de Aranjuez, donde tocamos por primera vez una de estas sinfonías en 2005. Javier Estrella, director del festival, nos propuso la grabación de la integral y, tras varias conversaciones, se firmó el convenio con el Auditorio y Centro de Congresos “Víctor Villegas” de la Región de Murcia. Sin la confianza plena de ambas partes en el grupo y el proyecto para nosotros hubiera resultado imposible acometer esta empresa.

Pero antes de la grabación las sinfonías se han escuchado en bastantes escenarios.

Desde esa primera aparición en Aranjuez hemos tenido la oportunidad de rodar las sinfonías en numerosos lugares: Teatro Real de Madrid, Auditorio de Murcia, Mayo Musical (Huesca), Festival de Música Española de Cádiz, Santillana del Mar, Auditori del Vendrell, Festival de Chiquitos (Bolivia), Encuentro Europeo-Boliviano de La Paz, Ciclo de la Real Capilla de Santa Isabel de Portugal en Zaragoza, etc. La grabación también ha tenido diferentes localizaciones: comenzó en el Auditorio de La Alberca (Murcia), cedido por el Ayuntamiento de Murcia (gracias a Paco Franco Saura); continuó en el Auditori del Vendrell (con la colaboración y ayuda de Juli Grandía y su equipo); y finalizó en el Teatro del Palacio Real de Aranjuez.

Una grabación de este estilo siempre es también un juego y una aventura musical excitante.

Durante todo el proceso, los ensayos y grabaciones han sido, desde el atril, apasionantes y a la vez desconcertantes, debido a la partitura. Nuestra grabación está basada en un ejemplar de una edición de Salomon, publicada hacia 1800, cuyo original está en manos de Christopher Hogwood, gran estudioso de esta música. Apasionante ha sido tener delante la parte que los músicos del momento utilizaban, con sus propias anotaciones. Apasionante ha sido ver las diferentes articulaciones, por ejemplo, tanto entre la versión de Salomon y en el original de Haydn como entre las propias partes de una misma sinfonía, de manos de los músicos que utilizaron esta edición. Y aquí es donde viene el desconcierto: las incongruencias de las anotaciones nos ha llevado a más de un rato de discusiones, risas, sorpresas, decisiones, exasperación… y a la convicción de que la flexibilidad existía y de que se puede utilizar como juego expresivo.

Un proyecto de esta envergadura necesita de mucho compromiso por parte de muchas personas.

Claro, porque un proyecto tan prolongado en el tiempo está expuesto a muchos tipos de problemas, desde lo económico y puramente organizativo hasta lo personal. Detrás, en el día a día de la organización de La Tempestad, somos tres (Iñaki de Verástegui, Antonio Clares y Silvia Márquez), pero ha habido muchas personas gracias a las cuales el proyecto finalmente ha podido ver la luz. Paco Franco y Juli Grandía nos facilitaron la utilización de los auditorios de La Alberca (Murcia) y El Vendrell, donde se realizó la grabación de los dos primeros discos. Y, desde luego, el proyecto ha sido posible gracias a la gran implicación de los músicos: para todos nosotros es una experiencia gratificante, por supuesto, pero en muchísima mayor medida también extenuante. Y por otra parte el hecho de que el resultado se haga esperar en ocasiones desanima… De ahí nuestra ilusión ahora, al ver que, finalmente, el fruto de tanto esfuerzo sale a la luz.

Haydn, y sobre todo Salomon, podría decirse que son personajes que, además de músicos, hoy estarían de actualidad por su visión “empresarial” de la cultura y de la música en particular.

Efectivamente. Desde su llegada a Londres, Haydn tuvo que lidiar con una intensa vida social, intentó ser absolutamente cordial y diplomático y guardar buenas relaciones con las altas esferas, los programadores, los músicos y el público. Él era consciente de la necesidad de componer de un modo u otro dependiendo del éxito de la última sinfonía estrenada. Sorprende el espíritu empresarial con el que fueron concebidas sus doce últimas sinfonías, tanto en su versión orquestal como en el arreglo de Salomon. Él sabía que, más allá de sus aspiraciones morales y artísticas, su música tenía que agradar al público que, de otro modo, no pagaba el abono para los conciertos. El Morning Chronicle refería en un artículo de 1792 la existencia de al menos dieciséis series de conciertos de pago en Londres, aparte de las fiestas privadas, en las que el público podía admirar a directores e intérpretes de prestigio. Queremos creer que la competencia en aquel momento fue un factor esencial en la creación del rico entramado cultural de la metrópolis, riqueza de la que tanto se jactaban en los mismos periódicos: los conciertos se publicitaban y los intérpretes y directores de calidad servían de reclamo para un público de pago. Ojalá se repitiera esto en cualquiera de nuestras ciudades.

Hoy parece que no tenemos estas ideas tan claras.

Sí, parece que hemos dejado un poco de lado este aspecto. Hemos olvidado que el público va a los conciertos a disfrutar. Es cierto que en época de Haydn su música era estrictamente “contemporánea” y lo que se escuchaba era novedoso. Pero hoy, ¿qué pasa con la música contemporánea? Apenas recibe afluencia de público, quizás porque no está concebida para gustar. Si no conseguimos audiencia con la música que se compone hoy en día y no sabemos atraer a nuestros conciertos a un público que sabemos que disfruta con la música clásica… ¿qué va a ser de lo que llamamos “música culta”?, ¿qué va a ser de los alumnos que aprenden, amando la música, en los numerosos conservatorios españoles? Teniendo en cuenta las muchísimas opciones contra las que debe competir un concierto de música clásica (televisión, radio, cine, internet, pop, rock…) creo que está en nuestras manos despertar de nuevo el interés por este repertorio.

Despertar un nuevo interés, conquistar nuevos públicos para la “música culta” siempre estamos considerando que es una asignatura pendiente.

En nuestra opinión, despertar este interés pasa por dos principios básicos: calidad de la música, si la oferta no es buena el público no vuelve; y comunicación, antes, durante y después del concierto. El factor social tan obvio en el momento londinense de Haydn y Salomon, la relación público-intérprete y la comunicación en directo son los únicos valores externos –entendiendo como internos la calidad de las obras y de la interpretación– que ahora, frente a todos los avances tecnológicos que se ofertan, tiene la música clásica.

El momento económico es difícil y parece evidente que se va a hacer necesario cambiar las “reglas” por las que se regía la interpretación y difusión de la música culta y muy especialmente los grupos van a tener que plantearse nuevas formas de funcionamiento.

En estos momentos en los que las subvenciones, las ayudas públicas y la inversión en cultura caen en picado, la continuidad de un grupo pasa por la creación de pequeños ciclos propios, al estilo de los grupos ingleses o franceses, y por la creación de vías de patrocinio, la creación de un entramado que permita al grupo poder avanzar con nuevos proyectos artísticos y a los músicos una cierta estabilidad, necesaria también para que la implicación y la ilusión continúen. Hoy por hoy es imposible, y además no tiene ningún sentido, que un grupo sobreviva tocando en dos o tres festivales importantes o especializados al año.

Vosotros ya estáis dando pasos en ese sentido.

Sí. El pasado mes de octubre presentamos en la Ermita de San Antonio el Pobre (Murcia) el ciclo “Diálogos íntimos”, en colaboración con la Concejalía de Turismo del Ayuntamiento de Murcia, que iniciará su andadura de modo estable en 2012: pequeños conciertos en un espacio con encanto, en la montaña, con un aforo limitado pero que plantea un nuevo modo de escuchar los conciertos, en contacto directo con los intérpretes. Estos conciertos serán de pequeño formato, con uno, dos o tres intérpretes. Se escucharán programas que siempre hemos creído muy interesantes: todos los compositores de la historia han escrito obras para uno y dos instrumentos, obras de gran valor y belleza que son difíciles de escuchar en directo hoy en día o que a menudo no encuentran el marco adecuado.

Y además vuestra “residencia” en el auditorio murciano.

El inicio de la colaboración con el Auditorio y Centro de Congresos “Víctor Villegas” de la Región de Murcia supone para La Tempestad un reconocimiento y un apoyo muy necesarios en este momento, con la posibilidad de contar con unas estupendas instalaciones para ensayos, grabaciones y conciertos y la tranquilidad de poder organizar con tiempo el estreno de los proyectos de cada temporada. Diversificar nuestras actividades y tocar y tener un público aficionado, que apoye y disfrute con los proyectos y conciertos que el grupo realiza, es imprescindible. 2012 va a ser el punto de partida de muchos pequeños proyectos que se han ido cociendo poco a poco, y que iremos anunciando en nuestra página web. Y queremos creer, ante el panorama desolador que se avecina, que es posible, por parte de los músicos, tomar parte de las riendas de la cultura musical. Nos va a tocar actuar como empresarios, organizar nuestros propios proyectos, crear un entramado parecido al Londres que se encontró Haydn, sentirnos todos un poco “Salomon”. En ello estamos…

–

UNA GRABACIÓN HISTÓRICA DE LAS DOCE “SINFONÍAS SALOMON”

Para la edición La Tempestad se ha servido de un original de 1800 con notas de los propios músicos contemporáneos de Haydn

La grabación por La Tempestad de las doce Sinfonías Salomon de Haydn es desde ya una grabación histórica, al ser la primera ocasión en que estas obras se registran por una misma formación y dentro de un concepto de “obra global”, desde la perspectiva de la recuperación no solo de un sonido, sino del espíritu de una música y una época. Las Sinfonías Salomon nacen de la relación establecida entre compositor y “empresario” y de los viajes que el primero realiza a Londres entre 1791 y 1795. “Haydn –dice Emilio Moreno en las notas a las grabaciones– es esperado con la máxima expectación, y junto a una frenética vida social de visitas y asistencias a eventos, nuestro músico trabaja junto a dos sinfonías, la 96 y la 95, sus primeras de la serie londinense, en una ópera nueva que le tendrá ocupado hasta el verano, L’anima del filosofo. (…) El éxito es total y absoluto, y el Diary londinense es entusiasta con el evento tan largamente esperado en el que al final se oye a Haydn como director y compositor. Su triunfo es inmediato”. Y así continuó en los siguientes años. “En agosto de 1795, poco antes de la partida definitiva de Haydn para Viena, firma con Salomon un contrato por medio del cual el compositor cede al violinista y empresario los derechos de sus seis primeras sinfonías londinenses. Más adelante, en febrero de 1796, Haydn firma la cesión de las seis últimas, con lo cual Salomon a partir de este momento se convierte en el verdadero propietario de las doce sinfonías que se han convertido en Europa en las composiciones más oídas y deseadas. En 1798 se realiza el arreglo de estas  sinfonías, siempre de la hábil mano de Salomon, esta vez para quinteto (flauta, dos violines, viola y violonchelo) con el añadido de un fortepiano “ad libitum” al que, no indicado pero obligado por la tradición, se podía (y debía) añadir un contrabajo junto al violonchelo, con lo que la riqueza en detalles, colores, matices y relieve de la estructura interna de las obras mejora de manera radical, y, con un orgánico reducido, se alcanzan grados altísimos de fidelidad sonora del original sin perder por ello la accesibilidad de medios que da un conjunto reducido a siete solistas. La grabación realizada por La Tempestad se ha hecho a partir de un ejemplar de una edición de Salomon de hacia 1800 que lleva indicaciones añadidas “a posteriori” por los músicos que las interpretaron en aquellos años, que dan especial luz al lector de nuestros días de cómo realmente las pudieron interpretar unos músicos que estaban muy próximos en el tiempo, y puede que hasta personalmente, al autor y su espíritu. No cabe duda que el segundo arreglo de Salomon aproxima infinitamente más el material al sonido original: la textura casi transparente y sobria de un trío en el que el fortepiano se ocupa de todo y solamente recibe las tenues pinceladas de color de un violín y un violonchelo optativos, es sustituida por la mucho más contundente y rica coloración de un cuarteto de cuerda al que el particular timbre de la flauta y la riqueza armónica del piano, con el lógico aporte de un contrabajo que el grupo La Tempestad inteligentemente añade, da un empaque y textura orquestal a un conjunto que, sin ser obviamente la versión completa con su perfecta luminotecnia y equilibrio dinámico, no resulta “pequeño” sino rotundamente íntimo, sin que se pierda la esencia de unas obras maestras que hoy siguen sonando tan frescas y rozagantes como el día de su estreno”.  

–

http://www.latempestad.es

Si el pasado mes la Orquesta Barroca de Sevilla (OBS) era noticia importante por haber sido distinguida con el Premio Nacional de Música, este mes vuelve a captar el interés del mundo musical por la presentación de su disco dedicado a Haydn, “probablemente el mejor disco que hemos grabado hasta ahora”, en palabras de Ventura Rico, cofundador de la orquesta y líder natural de la misma en estos dieciséis años de trabajo incansable y de presencia ejemplar en el panorama musical español. La OBS no es solo una formación modélica, también es singular, única. Una realidad sobre la que, a menudo, desde dentro y desde fuera uno se pregunta cómo es capaz de resistir en un contexto en el que los “grupos independientes” tratan de sobrevivir y de mantenerse con esfuerzo, imaginación y mucha economía de medios, pero sin renunciar nunca a poner en los escenarios un proyecto musical de calidad contrastada, equiparable al trabajo que puedan realizar agrupaciones extranjeras. En el mundo de los “grupos independientes” españoles, en donde al menos puede contarse una docena de propuestas de primer nivel internacional, la OBS es una referencia.

La Orquesta Barroca de Sevilla, como señalamos, ha cumplido ya sus primeros dieciséis años de vida. Un proyecto nacido de la ilusión de un grupo de músicos y que, quizá, fue analizado con cierto escepticismo en sus primeros pasos hasta conseguir atraer no solo la atención de las “autoridades culturales” de la ciudad, sino sobre todo la de sus ciudadanos. Porque si alguna característica importante se puede señalar de este proyecto musical es la absoluta comunión existente entre la orquesta y el público sevillano. En cierta forma es el público, son los aficionados, los que a lo largo de estos años han conseguido insuflar el aliento necesario para sortear las múltiples dificultades y los momentos de crisis.

La concesión del Premio Nacional de Música por parte del Ministerio de Cultura ha significado un espaldarazo importante a la larga y difícil tarea desarrollada en estos años. “Para nosotros –explica Ventura Rico– el premio tiene una importancia fundamental. Creemos que esto nos va a servir para dar con mayor facilidad algunos pasos importantes, para obtener el conocimiento y la posición a la que aspiramos. Pero también creemos que el premio es un reconocimiento hacia los grupos independientes españoles, que estamos realizando una labor de primer nivel y esencial en el panorama cultural español”.

En los últimos diez años los Premios Nacionales de la Música, en su categoría de interpretación, han recaído en seis ocasiones en intérpretes individuales y en otras cuatro en “agrupaciones independientes” (Al Ayre Español, Grup Intrumental de Valencia, Cuarteto Casals y Orquesta Barroca de Sevilla). Esta presencia de “grupos independientes” entre los premiados podría significar que existe un reconocimiento oficial hacia el trabajo que desarrollan, reconocimiento que, en palabras de Ventura Rico, “no se traduce después en una presencia suficiente en los escenarios españoles. Se ha configurado una oferta musical, básicamente, a través de la actividad de las orquestas sinfónicas y los teatros de ópera. Los grupos independientes, los grupos que hacemos música de cámara, estamos en situación dispar. Es preciso que se reconozca la importancia de nuestra actividad como parte fundamental del tejido cultural”.

El premio llega a la OBS en un momento en el que la crisis económica y social ha hecho mella en los presupuestos culturales, pero a pesar de ello Rico señala que “haya o no crisis, que la hay, hay que tratar de olvidarse de ella. Tenemos que mirar hacia el futuro, tenemos que alentar nuestra imaginación y redoblar el esfuerzo, encontrar soluciones, salir adelante. No hay que tirar la toalla”.

Con el aire fresco insuflado por el premio la OBS ha recobrado nuevos bríos para sostener sus objetivos. “Estamos haciendo las cosas con una gran categoría artística–señala Ventura Rico–, con una calidad comparable a la de cualquier orquesta europea. Tenemos una gran ambición y obtenemos resultados estupendos. Estamos desarrollando un gran trabajo de recuperación de patrimonio y además, como en el caso de Haydn, afrontamos el repertorio más internacional. En Sevilla tenemos una gran presencia, pero necesitamos dar el salto fuera hacia escenarios nacionales e internacionales”.

Los grupos independientes españoles vienen reclamando su espacio y sostienen que es necesario contar con políticas que hagan posible su sostenimiento. La reivindicación es antigua y es un “leit motiv” repetido una y otra vez por los responsables y gestores de los grupos independientes españoles. “Y deberemos insistir hasta que aquellos a quienes corresponda tomen conciencia de que en nuestro país necesitamos otro tipo de estructura musical. Hace falta que nos demos cuenta de que este es un sector profesional muy importante, que tiene un interés fundamental para la cultura”, dice Rico.

Pero, como explica el cofundador de la orquesta, ahora lo importante es mirar hacia el futuro. Sostenidos en una parte con ayudas del Ayuntamiento de Sevilla, la Junta de Andalucía y la Universidad de Sevilla, y en otra parte con el producto de sus conciertos, la OBS se propone para 2012 completar una temporada de doce conciertos en Sevilla –orquestales y de cámara–, con el apoyo del consistorio sevillano y volver a pisar las tablas del Teatro de la Maestranza, en donde este año han conseguido un rotundo éxito con su Orfeo y Euridice de Gluck. En 2012 estarán en la Maestranza con El triunfo del tiempo y del desengaño de Handel. Fuera de Sevilla dos escenarios importantes, el Auditorio Nacional de Madrid y el Festival de Música Antigua de Barcelona, ya están también en su agenda de 2012, y “seguimos trabajando por conseguir una presencia internacional. Estamos diseñando un plan de acciones en este sentido que esperamos que den pronto sus frutos”.

En el pensamiento de Ventura Rico aún queda un reto, un objetivo final, una misión importante que plasmar con la OBS. “Mi sueño sería ver cumplido el objetivo de contar con una orquesta en la que los músicos pudieran tener una situación, un estatus, a medio camino entre la seguridad y la libertad. Es decir que pudieran tener una dedicación fija a la orquesta durante unos días de cada mes y que pudieran tener también la libertad de dedicar el resto de su tiempo a los proyectos que cada uno considerara más interesantes. Creo que esta fórmula sería perfecta desde todos los puntos de vista. Además sería una manera de abaratar costes, lo que resulta muy importante en estos momentos”.

Dieciséis años soñando, igual un día de estos los profesionales de la OBS consiguen lo que se proponen. No será por falta de ilusión y trabajo.

–

LA OBS PRESENTA GRABACIONES DE FRANZ J. HAYDN Y PEDRO RABASSA

-      Dos discos que simbolizan el doble trabajo interpretativo de la agrupación sevillana.

-      Grandes obras del repertorio universal y recuperación de patrimonio.

“Nos encontramos en un excelente momento interpretativo y con muchas ganas de trabajar, así que, aunque suene extraño, estamos realizando más grabaciones que en cualquier otro momento. Este año salen cuatro y ya tenemos en marcha varios proyectos discográficos para el año próximo”, explica Pedro Gandía Martín, uno de los fundadores de la Orquesta Barroca de Sevilla y Director Artístico de la agrupación desde 2001.

Resulta, a priori, sorprendente que en estos momentos no fáciles para ninguna agrupación musical la OBS termine el año con la presentación de dos discos, el primero dedicado a las Sinfonías de Haydn y el segundo a la recuperación de patrimonio musical andaluz, en el contexto del Proyecto Atalaya, en este caso la obra de Pedro Rabassa que se encuentra en los archivos de la Catedral de Sevilla.

El disco dedicado a Haydn contiene las Sinfonías 13, 31 y 36 y ha estado dirigido por Christopher Coin. “Curiosamente –dice Gandía– a nosotros siempre se nos había reconocido por la dedicación que le hemos prestado como intérpretes de Franz J. Haydn, con cuya música siempre hemos mantenido una identificación especial. Pero a pesar de esa dedicación nunca habíamos grabado un disco con música de Haydn en nuestra discográfica. Reconozco que fue una apuesta arriesgada cuando hace más de un año decidimos lanzarnos a este proyecto, que exigía mucho esfuerzo, porque requería de una orquesta potente y de gastos importantes. Hoy no nos arrepentimos de nada porque es sin duda nuestro mejor disco”.

El disco fue grabado en el Centro Cultural de la Villa de San José de la Rinconada los días 25, 26 y 27 de octubre de 2010 y esta grabación se mantiene en la memoria de los músicos como un capítulo destacado de su historia en común. Gandía señala “los casi nueve minutos del Adagio Cantabile de la Sinfonía nº 13“ como uno de los pasajes en los que la orquesta conquistó “la excelencia musical”, la armonía conseguida entre todos los músicos, ayudados por Coin, “el violonchelista que mejor interpreta a Haydn”.

Paralelamente se presenta también el disco dedicado a los Archivos de la Catedral de Sevilla y en concreto al que fue su maestro de capilla en el siglo XVIII, Pedro Rabassa. En este disco titulado Et in terra pax participan, además de la OBS, La Hispanoflamenca y la soprano Raquel Andueza, todos ellos bajo la dirección de Enrico Onofri. El trabajo se enmarca dentro del Proyecto Atalaya, al que dedicamos un apartado en estas páginas.

“Este duplicidad de intereses, entre las grandes obras universales y nuestro patrimonio, revela claramente el espíritu de la OBS –dice Pedro Gandía–. Nosotros tenemos claro que queremos y sabemos tocar lo más importante del repertorio universal y que además el acceso a ese gran repertorio nos prepara mejor, nos hace mejores músicos para afrontar también el difícil trabajo de recuperación de nuestro patrimonio musical.”

En esta misma línea para el año próximo preparan otras dos grabaciones. Una que, probablemente, estará dedicada a música pre-romántica y otra que dirigirá también Christophe Coin y se enmarca en su trabajo de recuperación de patrimonio musical con obras de Gaetano Brunetti (Fano, 1744 – Colmenar de Oreja, 16 de diciembre de 1798), violinista y compositor italiano que pasó la mayor parte de su vida en Madrid al servicio de los reyes Carlos III y Carlos IV. En el futuro, a medio plazo, también se plantean grabar música de Carl Philip Emmanuel Bach.

Como es bien sabido, tras el periodo inicial con Barry Sargent, la OBS no ha contado con un Director Titular, si bien ha mantenido largas colaboraciones con algunos músicos, como Monica Huggett. La filosofía del grupo ha sido siempre la de “seleccionar al mejor director para cada repertorio” y a la vez “poder implicarles en nuestros proyectos, poderles mostrar nuestro repertorio, nuestro patrimonio. Esta forma de trabajar –dice Gandía– nos está dando unos excelentes resultados”.

Los nombres de Onofri, Carmignola, Leonhardt, Kuijken o Coin, por poner algunos de los colaboradores habituales de la OBS, han dado una nueva dimensión al grupo. “Y tenemos que ser ambiciosos en esta línea, tenemos que seguir apostando por ampliar nuestras colaboraciones con grandes músicos”

Pero también existen otras razones que hacen que la Barroca sevillana tenga un sonido especial y no es la menor el hecho de que en su formación sigan estando básicamente la mayoría de los músicos que iniciaron el proyecto hace más de quince años y que ha habido incorporaciones nuevas de músicos de un nivel excepcional. “Es un grupo muy fuerte, muy unido. Hemos creado un ímpetu especial entre todos. Muchos de los músicos tocan también en otras formaciones pero todos coincidimos en que cuando tocan con la OBS hay más impulso colectivo, hay una fuerza diferente”, señala Gandía.

A pesar de ello la situación no está exenta de problemas. Uno de los que más preocupa a Gandía es poder contar de forma definitiva con una sede estable, con un lugar donde poder ensayar con buenas condiciones y con continuidad. “Nosotros pensamos que no tiene que ser muy difícil encontrar un lugar para la orquesta en una ciudad como Sevilla que cuenta con tantos edificios. Pero hasta ahora no hemos podido contar con esa sede. Esperemos que ahora con el Premio Nacional este tema se reactive y sea posible contar con nuestro propio espacio”.

Gandía reconoce también que el Premio significa un impulso para el plan de internacionalización de la Orquesta. “El impulso ha sido brutal. Hemos recibido mails de Copenhague, de Nueva York. Nos ha salido una colaboración con la Unesco, en Francia, en Alemania, y nos han llamado de sitios que no se habían puesto en contacto con nosotros hasta ahora”, declara Gandía. Entre los objetivos, ahora, despunta lograr una mayor atención de la crítica internacional y consolidar fuera la difusión de sus lanzamientos discográficos.

–

Proyecto Atalaya: Recuperación del patrimonio musical andaluz

Tres son los trabajos de recuperación del patrimonio musical andaluz desarrollados hasta el momento por la Orquesta Barroca de Sevilla en el marco del “Proyecto Atalaya”. El último de estos proyectos está dedicado a “Espacio, sonido y afectos en la Catedral de Jaén: la música policoral de Juan Manuel de la Puente (1692-1753)”. La música ha sido grabada en el mes de noviembre y junto con la OBS participan el Coro Juan Manuel de la Puente y los solistas María Espada, soprano, Marta Infante, mezzosoprano, y Jesús García Aréjula, barítono, todos ellos bajo la dirección de Enrico Onofri.

El Proyecto Atalaya, promovido en 2005 por la Consejería de Economía, Innovación y Ciencia de la Junta de Andalucía para la intensificación y la interacción de las iniciativas culturales, reúne las iniciativas de las diez universidades públicas andaluzas. En 2009, dentro del marco Atalaya, la Universidad de Sevilla y la OBS pusieron en marcha un Proyecto de Recuperación del Patrimonio Musical Andaluz con el objetivo fundamental de recuperar parte del patrimonio musical conservado en los archivos históricos de Andalucía. El objetivo es ambicioso: desarrollar un proyecto integral de recuperación y difusión de la música antigua que constituye el patrimonio andaluz, consistente en una labor de localización, selección, estudio, trascripción, edición crítica, grabación, publicación, interpretación en vivo y máxima difusión del rico patrimonio musical que se atesora en los distintos archivos musicales andaluces. La interpretación va acompañada de la grabación en CD y de la publicación de un volumen con la edición crítica de las partituras.

Fruto de la primera fase de este proyecto, la Orquesta Barroca de Sevilla recuperó en 2009 obras de J. F. Iribarren (1699-1767) procedentes de los archivos de la Catedral de Málaga. Bajo el título de Pardiobre!, participaron en el disco Marta Almajano y Lluís Villamajó con la dirección de Alfredo Bernardini. En 2010 el trabajo se centró en la música de la Catedral de Sevilla y en las obras compuestas por quien fuera su maestro de capilla durante más de 40 años en el siglo XVIII: Pedro Rabassa. El disco recientemente editado, como comentábamos anteriormente, lleva por título Et in terra pax. Y en 2011, como hemos señalado, se ha trabajado sobre los archivos de la Catedral de Jaén y el pasado mes de noviembre se inició la grabación de un tercer disco dedicado, en esta ocasión, al músico Juan Manuel de la Puente.

Además de estas recuperaciones de las catedrales andaluzas la OBS también ha recuperado y grabado en 2010 obras del catalán Carles Baguer (Barcelona, 1768 – 1808) bajo la dirección de Manfredo Kraemer. El disco contiene cuatro sinfonías y la obertura del oratorio El regreso del hijo pródigo. Baguer, compositor y organista de la catedral de Barcelona escribió abundantes obras religiosas, incluidos varios oratorios, así como un buen número de piezas para órgano y otros instrumentos de teclado, pero su contribución más importante fueron diecinueve sinfonías.

El Belsuono mediterráneo al servicio de la música española de todos los tiempos.

Aunque de esos inicios ya han pasado quince años, la esencia de su nacimiento sigue estando presente entre sus miembros. “Concerto Málaga tiene un sentido y una atmosfera muy particulares, después de muchos años en los que llevo trabajando con la orquesta –declara Massimo Paris, director titular de la formación– el nivel ha subido de una manera increíble convirtiéndose en una realidad de España”. En este sentido también se pronunció Pepe Romero tras su primer concierto con el conjunto en 2007: “los amigos y colegas de Concerto Málaga son un recuerdo que quedará vivo en mi corazón para el resto de mi vida. Dios quiera que se repita en el mundo entero”. 

La formación habitual del conjunto es de trece instrumentistas, aunque en ocasiones esta se amplia o reduce en función del repertorio, que comprende la música para cuerdas escrita desde el barroco hasta nuestros días, sin desdeñar la fusión de estilos y las nuevas creaciones, otorgándole un lugar preferente a la música española. “El desarrollo musical de la orquesta –explica José Manuel Gil de Gálvez, concertino de la formación– bebe de un profundo proceso de estudio y reflexión del legado de los grandes compositores, del intercambio de experiencias con artistas de contrastada calidad y de la continua búsqueda de la excelencia. Todo ello guiado por el discurso musical que propicia la sinergia de nuestro director y los músicos, formando un solo instrumento compacto. Uno de nuestros objetivos principales es poner nuestro grano de arena como vehículo musical para el desarrollo de la música de cámara española de todos los tiempos”. 

MUCHO MÁS QUE UNA ORQUESTA

Concerto Málaga es mucho más que una orquesta de cuerda convencional. Sus integrantes consideran a la propia orquesta como eje central de múltiples acciones que cubren los ámbitos de la interpretación, la pedagogía, la investigación y el desarrollo. Esto se pone en práctica a través de sus propias producciones, como ciclos de conciertos, festivales y proyectos educativos. “Nuestra entidad –comenta Juan Pablo Gamarro, gerente de Concerto Málaga– es productora del CIVE – Ciclo Las Cuatro Estaciones, ciclo de conciertos creado para Málaga en 2004. Este proyecto ha cosechado un brillante éxito en las pasadas temporadas a través de llenos absolutos y se erige como una verdadera realidad en el panorama de la música de cámara a nivel nacional, con una tendencia creciente y una necesidad de ofrecer los programas en grandes espacios. Han sido muchas las salas en las cuales se han desarrollado los conciertos del CIVE, cumpliendo así nuestro objetivo de llevar la música de cámara a todos los rincones de la sociedad malagueña”.

El CIVE, que en esta temporada 2011/2012 cumple su octava edición, ofrece cuatro conciertos distribuidos a lo largo de todo del año. Han sido muchos los solistas que han participado junto a la formación andaluza, permitiendo a esta una permanente colaboración con artistas de reputada carrera internacional como la violinista Mariana Sirbu, solista de talla mundial y poseedora de un Stradivarius de 1703, o el guitarrista Pepe Romero, considerado por la crítica mundial como uno de los más grandes intérpretes de guitarra clásica de la actualidad. La lista de nombres que se han subido al escenario en este ciclo de conciertos junto a Concerto Málaga alcanza ya la treintena con intérpretes como Maria Luisa Cantos, Andreas Frölich, Benjamín Moreno, Mihai Dancila, Ramón Jaffé, Ferenc Szücs, Massimo Mercelli, Yunah Lee, Judith Jáuregui o el propio cuarteto Los Romero.

“Otra exitosa producción que hemos sacado adelante –prosigue Juan Pablo Gamarro– es FIAPMSE – Forum Internacional de Alto Perfeccionamiento Musical del Sur de Europa, festival de titularidad propia que desarrollamos en colaboración con Juventudes Musicales de España a través de su asociación local de Nigüelas (Granada)”.

Siete ediciones contemplan a este festival que se realiza en el Valle de Lecrín, situado a las faldas de Sierra Nevada. Se celebra durante la primera quincena de agosto con actividades diseñadas para la promoción de la música como instrumento de unión, igualdad y lenguaje universal. Todo ello permite crear un lugar de encuentro entre jóvenes músicos llegados de distintas partes del mundo y que persiguen fomentar el desarrollo de proyectos e investigaciones innovadoras a nivel internacional. Hasta el momento más de treinta y cinco nacionalidades diferentes han participado en el FIAPMSE.

El Forum ofrece una propuesta cultural variada y atractiva con un amplio itinerario de espectáculos que se desarrollan en torno a la música de cámara. El festival cuenta con dos apartados que se complementan, FIAPMSE-FESTIVAL y FIAPMSE-AKADEMIE. El primero está compuesto por un interesante cartel de conciertos que reúne en un mismo escenario a destacadas figuras internacionales, miembros de Concerto Málaga y jóvenes talentos llegados de todas partes del mundo. Este apartado aglutina “Las Bellas Artes”, sección que une la música junto a la palabra, la pintura, la arquitectura y la luthería en diversos espacios históricos del municipio, transformando a este en espacio cultural y escénico abierto a la interpretación, la creatividad y la investigación.

Por otro lado, se desarrolla FIAPMSE-AKADEMIE, la sección docente y formativa del Forum, que cuenta con un claustro de profesores formado por solistas de carrera internacional, miembros de prestigiosas orquestas y conjuntos de cámara como I Musici, el Trío de Milán, London Baroque, el Cuarteto Beethoven de Roma o el Cuarteto Stradivari. Una de las principales actividades de esta sección es el desarrollo de masterclass y seminarios dirigidos a estudiantes de enseñanzas superiores de música, postgraduados y profesores.

APOYO A LOS JÓVENES

Concerto Málaga conoce bien lo que es tratar de construir una carrera artística y abrirse paso siendo jóvenes. Sus componentes cuentan a día de hoy con una media de edad de 29 años y un amplio bagaje artístico y han pasado de ser un grupo entusiasta de jóvenes a grabar para la Deutsche Grammophon. “Sabemos muy bien la dificultad que entraña un camino de este tipo –precisa Sergio Fernández, presidente–. Tenemos muy claro que parte de nuestros esfuerzos irán destinados a compartir y transmitir nuestra experiencia y a ayudar en la medida de nuestras posibilidades a los jóvenes que inician su carrera. Tenemos el profundo convencimiento de que trabajando en esta dirección contribuiremos a crear una verdadera riqueza en nuestra sociedad. La crisis siempre es una catarsis y la humanidad se debe alimentar de las experiencias positivas basadas en el sacrificio y el esfuerzo continuo”. Por ello Concerto Málaga impregna de forma transversal todos sus proyectos con un firme apoyo a los jóvenes, colaborando estrechamente con la Confederación de Juventudes Musicales de España y recientemente con la Fundación Orfeo a través del certamen Intercentros.

En esta línea desde 2008 Concerto Málaga es Orquesta Residente del Condado de Donegal (Irlanda), en donde desarrolla una intensa labor de corte cultural y educativo que posee una triple dirección: la difusión de la música de cámara, la inmersión docente en los programas educativos de la región y la divulgación de la música española.

“Este proyecto –explica José Manuel Gil de Gálvez, concertino de la orquesta– nos permite ampliar el trabajo educativo y darle una dimensión internacional y por tanto intercultural, ampliando nuestra visión formativa y de desarrollo en nuestra ciudad y en Irlanda fomentando los lazos internacionales de los potenciales futuros intérpretes, tratando de transmitir los valores intrínsecos de la música como elemento de unión y respetando la diversidad como elemento catalizador del enriquecimiento personal. En la República de Irlanda tenemos el placer de proyectar nuestra labor formativa con el objetivo de ofrecer una actividad de gran calado pedagógico-musical resultado de la realización de conciertos educativos en los colegios de enseñanza general, clases magistrales en los centros musicales especializados y encuentros con jóvenes orquestas de Irlanda. A esta actividad se le une la gira de conciertos que realizamos junto a nuestro director, lo cual nos permite programar obras nuevas y estrenos mundiales de compositores irlandeses así como interpretar a compositores españoles, reflejo esto último del permanente resguardo y cuidado que mostramos por la difusión de nuestra identidad cultural como forma de estrechar lazos en materia de diversidad cultural”.

XV ANIVERSARIO

Como comentamos, este año se cumplen quince años de andadura de la formación, un largo camino que ha dado para mucho y que ha hecho de Concerto Málaga una realidad internacional.

La orquesta afronta una nueva temporada cargada de trabajos y proyectos que dará comienzo el próximo mes de diciembre con el inicio de la octava edición de CIVE – Ciclo Las Cuatro Estaciones. Para esta temporada 2011/2012, el conjunto de cuerdas español ha creado un ciclo dedicado a la celebración de su XV aniversario con la presencia de grandes solistas de nivel internacional que se extenderá por los meses de diciembre, febrero, mayo y julio. El primer programa se titula Feliz Navidad y tendrá lugar el próximo 2 de diciembre a las 22:00 horas en el Auditorio de la Fundación del Colegio de Médicos de Málaga, sede oficial del conjunto de cuerdas español. Este concierto será el preludio a la presentación de la segunda grabación discográfica del conjunto, registro realizado de la mano del mundialmente reconocido cuarteto de guitarras Los Romeros. Christmas Álbum es el nombre de este disco y Massimo Paris el director que ha sabido conjugar el timbre del cuarteto de guitarras y la sonoridad de la orquesta con un marcado sabor malagueño, y todo ello avalado por el prestigioso sello discográfico Deutsche Grammophon.

Los próximos compromisos internacionales incluyen la firma de dos giras que les conducirán por algunos de los mejores escenarios del mundo. Será en fechas navideñas cuando Concerto Málaga junto a su director titular y Los Romeros lleven a cabo la primera de ellas en las salas más prestigiosas de Alemania como Laeiszhalle de Hamburgo, Stadthalle Braunschweig, Philharmonie Essen, Rosengarten Congress Centrum de Mannheim, Meistersingerhalle de Nuremberg, Prinzregententheater de Munich o Philharmonie Berlin, entre otras. Este mismo programa se interpretará un año después en una gira por Estados Unidos con más de veinte conciertos programados que llevarán a Concerto Málaga a visitar el país de costa a costa pasando por ciudades como San Francisco, Detroit, Philadelphia y New York City.

MASSIMO PARIS, Director Titular y Artístico

Nacido en Roma, Massimo Paris es un artista poliédrico: solista de viola y viola d’amore, compositor, director de orquesta y pedagogo. Su actividad concertística le ha llevado a los principales centros musicales del mundo: Carnegie Hall y Lincoln Center de New York, Teatro alla Scala de Milán, Filarmónica de Berlín, Ópera de París, Corcertgebouw de Ámsterdam, Musikverein de Viena, Sidney Opera House y Suntory Hall de Tokyo, entre otros. Ha sido parte de Virtuosi di Roma con R. Fasano y desde 1978 es viola solista de I Musici. En 1994 fundó el Cuarteto Stradivari. Ha colaborado con artistas como Carmirelli, Campanella, Canino, Carmignola, Gazzelloni, Giuranna, Graf, Holliger, Isserlis, Nicolet, Orozco, Pergamenschikow, Pressler, Petracchi, Romero, Zacharias, el Trio di Milano, el Trio Beaux Arts y los cuartetos Academica, Artis, Guarnieri, Emerson, Orlando y Orpheus. Ha participado en los festivales de Malboro Montreux, Edimburgo, Schleswig-Holstein, Santa Fe-Nuevo Mexico, Mostly Mozart New York, Orlando y Spoleto. Es autor de música de cámara y sinfónica, ha compuesto las cadencias para el CD de conciertos de Rolla y dieciocho cadencias para L’Arte del violino de Locatelli, encargo de Philips. Es catedrático de viola y música de cámara en la Musik Hochschule de Colonia-Aachen y desde 2008 profesor titular de la cátedra de alto perfeccionamiento de viola en la prestigiosa Accademia de Santa Cecilia de Roma. Director Titular y Artístico desde 2003 de Concerto Málaga y del FIAMPSE, ha grabado para eminentes radiotelevisiones y para Columbia, Denon, Decca, Philips, Sony, Arcadia y Claves, y tres discos a beneficio de UNICEF.

CD “HOMENAJE A ALBÉNIZ”

Concerto Málaga ha alcanzado un nivel musical que se materializa en Homenaje a Albéniz. Se trata de un trabajo discográfico con contenido netamente español compuesto por obras de Albéniz, Pedrell y Morera (primera grabación mundial) que sale al mercado internacional como resultado de un profundo trabajo en materia musicológica. Los tres compositores presentes en el disco representan uno de los momentos más efervescentes de la música española: F. Pedrell como impulsor y guía intelectual del renacer nacionalista, I. Albéniz como genio universal que trascendió todo y E. Morera con su pasión irrenunciable por el teatro lírico y su impulso modernista marcaron un modelo a seguir. El programa del álbum consigue transportar al oyente por los paisajes y horizontes andaluces de los que Albéniz se enamoró junto con sonoridades catalanas procedentes de Morera y Pedrell. Concerto Málaga irrumpe así en el mercado internacional con el objetivo claro de promocionar, rescatar y difundir la música española para cuerdas de todos los tiempos. El disco, que cuenta con las notas al programa de Justo Romero, lleva la firma del sello alemán Genuin-Classics y ha sido lanzado a la venta en veintiocho países, obteniendo a día de hoy las mejores críticas en los medios especializados de España, Italia y Alemania, entre otros. Su sello de identidad es el sonido con aroma mediterráneo propio de Concerto Málaga, un estilo genuino y una destreza que persiguen el equilibrio entre la precisión del cuarteto y la amplitud de una gran sección de cuerdas. Puede disfrutarse de la grabación en el canal de Youtube www.youtube.com/concertomalaga.

–

www.concertomalaga.com

–

Este es su segundo trabajo con Warner después del disco debut dedicado a Soler. ¿De dónde surge?

Hace algún tiempo, de forma totalmente casual, llegó a mis manos una serie de partituras de conciertos para teclado y orquesta de algunos compositores del siglo XVIII entre los que figuraban C. P. E. Bach, J. C. Bach, J. S. Schröter y, para mi sorpresa, W. A. Mozart. Este pequeño hallazgo me llamó muchísimo la atención y tan pronto tuve el tiempo necesario para profundizar en estas obras, comencé un proceso de investigación en diferentes terrenos: qué relación existía entre estos compositores, el repertorio en sí con los diferentes caminos que ofrecen al intérprete, pero también su procedencia en cuanto a las fuentes de las que bebían, y sobre todo, en los tres conciertos de Mozart que no pertenecían al conocido corpus de los 27 conciertos para piano y orquesta me interesó profundizar en los motivos por los cuales quedaron fuera de él.

Y lo que descubrió fue….

Tras estudiar mucho todos esos elementos históricos y encontrarme con no pocos problemas para lograr obtener facsímiles, manuscritos y otros documentos originales, poco a poco se fueron materializando las ideas que desde un primer momento rondaban por mi cabeza al hojear esas páginas: que esas partituras eran obras originales con toda la autenticidad y toda la frescura de Mozart, que existió una relación parcialmente desconocida e intensa entre Mozart y Schröter y, algo aún más extraordinario, que de esta manera ambos compositores se convertían en herederos directos de Johann Sebastian Bach en el desarrollo del concierto para teclado y orquesta, que fue quien prácticamente comenzó y cultivó de forma magistral este nuevo género, dándole una nueva dimensión sonora, sobre todo en el equilibrio entre el solista y la orquesta, y dotándole de una popularidad sin precedentes en la Historia de la Música.

Con la experiencia del trabajo anterior, ¿ha afrontado este de manera diferente?

La experiencia anterior ha sido muy valiosa para llevar a cabo un proyecto como este, aunque se trata de dos discos muy distintos. El trabajo realizado con Antonio Soler estaba centrado en el instrumento y en el sonido en relación a este, mientras que aquí desarrollamos un repertorio concertante, con todo lo que ello conlleva: diferentes timbres y características acústicas, técnicas instrumentistas complementarias pero con personalidades muy diferenciadas entre sí, la búsqueda de contar con un instrumento solista completamente diferente del que seleccionamos para la grabación de las sonatas de Soler para lograr un color sonoro más adecuado al resultados que buscábamos… Previamente, nos reunimos en largas sesiones de ensayos conjuntos, ya que no solamente nos encontrábamos ante el reto de ofrecer al oyente un trabajo escrupuloso, sino que las obras seleccionadas nos obligaban a explicar, como comentaba anteriormente, todo un universo sonoro que reflejase de dónde se venía, los caminos que dejaban para que otros los tomaran y el propio proceso de cada una de estas obras que fundamentan ese interesante proceso de transición de una peculiar belleza. Todo ello nos hizo reflexionar sobre la necesidad de realizar un pequeño documental en DVD que, a modo de “making of”, explica todos los detalles del proyecto.

En relación a las obras elegidas de Mozart, ha comentado que le sorprendieron especialmente, ¿en qué sentido?

Efectivamente se trata de unos conciertos para teclado y orquesta muy especiales por diversas razones. En primer lugar, porque son orquestaciones basadas en tres sonatas para teclado de Johann Christian Bach, a quien Mozart conoció cuando tenía 8 años en su viaje a Londres. De hecho, Mozart consideró durante toda su vida al “Bach inglés” como uno de los más geniales músicos de la época. Otro dato que despertó mi interés fue la controversia con respecto a la datación de estos conciertos, ya que en un primer momento se pensaba que eran ensayos o borradores –recordemos que se trata de música escrita cuando Mozart contaba con apenas 15 años–, hasta que musicólogos como John Irving o Dennis Pajot descubrieron que eran obras originales datándolos en 1771. Por esta razón, reputadas ediciones como Das Neue Mozart Ausgabe los han incluido recientemente entre los conciertos para piano y orquesta a pesar de que en años anteriores no los contemplaron como tales. También resulta curioso que en el manuscrito la parte solista y el bajo continuo estén trascritos por Leopold Mozart, mientras que la caligrafía de la orquestación pertenece a Wolfgang. Al final lo que observamos sorprendidos es la riqueza de estas obras en las que confluyen tres formas de entender una obra y de buscar un sonido ya que Johann Christian Bach, Leopold Mozart y su hijo Wolfgang están presentes en ellas dotándolas de esta originalidad.

A estas obras de Mozart ha sumado un concierto de Schröter, contemporáneo del salzburgués. ¿Por qué?

Hay muchos paralelismos entre los dos compositores, como por ejemplo el hecho de que ambos vivieron 35 años. Aunque no llegaron a conocerse en persona, tenemos constancia escrita de que Mozart sentía una gran estima por la obra de Schröter; entre la correspondencia de Wolfgang con su padre encontramos varias cartas en las que le pedía que le enviara las nuevas composiciones de Schröter y, de hecho, las cadencias de su Concierto nº 3 op.3 que incluimos en este disco son originales de Mozart, publicadas además en la Neues Mozart Ausgabe… Por otra parte, en estos conciertos ambos compositores emplean el mismo tipo de orquestación, esto es, un pequeño grupo orquestal sin violas, siguiendo la tradición inglesa y, aunque esto ya es una apreciación más subjetiva, la facilidad y sensibilidad melódica y el virtuosismo instrumental de Schröter merecen estar considerados a la par con el genio salzburgués sin ningún temor.

Antes de comenzar cada proyecto siempre realiza una importante labor de investigación. ¿Por qué es tan importante para usted?

Siempre he sentido una profundo respeto por la figura del compositor y el aprendizaje de una partitura requiere para mí un arduo trabajo de campo para intentar comprender, más que lo que quiso decir el compositor, qué fue lo que le motivó a escribir esa determinada música. En cuanto comienza este trabajo también empiezan los problemas, sobre todo porque las ediciones a veces alteran la esencia de la obra en sí. Imagínese que cuando comencé a estudiar el Concierto en sol de Ravel encontré cerca de una docena de erratas en la partitura, y estamos hablando de una obra que se compuso en 1930. En el caso de los conciertos de Chopin, por ejemplo, existen más de treinta discordancias editoriales sólo en la parte del piano. Teniendo en cuenta que estamos interpretando un repertorio escrito en el siglo XVIII, aún hay que ser más cuidadoso en la selección de las ediciones. Piense que el propio Mozart corregía ediciones de Artaria tras meses de estar circulando en el mercado. En este caso, hay que recurrir a los manuscritos, a las primeras ediciones y, posteriormente, averiguar si el propio compositor revisó esas obras una vez editadas. Resulta tremendamente enriquecedor intentar, por medio de este proceso, ser lo más fiel posible al texto y, por consiguiente, al compositor, a la época que le tocó vivir y a los acontecimientos culturales, sociológicos, políticos y, cómo no, culturales que le influyeron.

En este caso concreto, ¿qué destacaría de esa inmersión en las fuentes originales?

En los conciertos de Mozart hubo que hacer una profunda revisión del material orquestal. El hecho de que Leopold transcribiera la parte de piano y su hijo la orquesta fue revelador para entender algunas incongruencias. Por ejemplo, en el Concierto nº 3 K107 hay dos secuencias armónicas que ha habido que re-adaptar, ya que el piano hacía una cosa y la orquesta sugería otra… Asimismo, determinadas fórmulas de acompañamiento solista no concordaban con la orquestación, pero gracias a documentos como el tratado de violín de Leopold Mozart, el tratado de fortepiano de Carl Philipp Emmanuel Bach y otras obras compuestas por Mozart en las mismas fechas, se han podido salvar esos obstáculos y además resolver aspectos relativos a la interpretación, articulación, fraseo y ornamentación. En el caso del concierto de Schröter, al ser una obra que ha permanecido virgen más tiempo, las interferencias son mucho menores, aunque hayamos modificado una gran parte del segundo movimiento por incoherencias entre diversas fuentes.

También ha revisado las partes instrumentales, ¿no es cierto?

Exactamente. Ha sido un largo e intenso trabajo para poner a punto el material instrumental que estaba bastante descuidado en aspectos relativos a la articulación, dinámica, fraseo, tempi… En el caso de Schröter, el material estaba tan poco trabajado que ni siquiera existían particellas fiables.

Como sucediera con Soler, con todo el material que ha recopilado durante su investigación The Music Sales Group, una de las editoriales más prestigiosas, editará una nueva edición de las partituras revisadas por usted. ¿Qué cree que aporta?

A raíz de mi unión a The Music Sales Group con el proyecto de las sonatas de Antonio Soler, cuya edición verá la luz a lo largo de 2012, surgió la posibilidad de editar la revisión que se ha llevado a cabo de estos conciertos. Gracias a que un grupo editorial de este calibre respalda el proyecto, se dará a conocer esta música que estoy seguro despertará un gran interés entre los intérpretes, porque se trata de, modestamente, contribuir a volver la vista sobre un compositor como Mozart del que se pensaba que se conocía todo, o bien entrar en el bellísimo universo de Schröter, prácticamente desconocido hoy en día. Resultará fantástico que esos intérpretes que estén interesados en esta música puedan disponer de un material revisado que respete la esencia de este repertorio, con toda su frescura y energía.

Ha seleccionado muy cuidadosamente a los intérpretes, al ingeniero de sonido, el piano, la sala… ¿Le gusta controlar todo la que rodea a la grabación?

Soy un gran seguidor de las tecnologías aplicadas a la música y siempre participo muy activamente en la edición de los discos. Hemos tenido la suerte de contar con una sala estupenda, el Teatro Pérez Galdós en Las Palmas de Gran Canaria, con una acústica excepcional, así como con un instrumento con un sonido cálido, muy especial, que recuerda al color del fortepiano, muy adecuado para este repertorio. También entenderse con el ingeniero de sonido y mirar de la misma forma la búsqueda de los resultados es tremendamente importante para mí y es un lujo contar con Antonio Miranda para una aventura como esta. Para formar el conjunto instrumental hemos creado un grupo al que hemos bautizado como “Galdós Ensemble”, formado por intérpretes que manejan tanto la interpretación moderna como la historicista, incluyendo una tiorba para la realización del bajo continuo. Ha sido un verdadero placer colaborar con músicos de esta calidad y, de hecho, presumo que no será el único proyecto que llevemos a cabo juntos.

La mayor parte de los intérpretes es canaria…

Sí, tenía muchas ganas de crear algo de esta magnitud con gente de mi tierra, con colegas a los que, además de una sólida formación e inquietudes artísticas me une una particular forma de entender la música. También es una manera de reivindicar el inmenso talento que hay en Canarias y de agradecer que instituciones de la isla tengan la enorme sensibilidad en tiempos tan complicados para apoyar proyectos de este tipo, como hizo la Fundación Las Palmas de Gran Canaria 2016 que nos apoyó desde el primer momento financiando el proyecto y lo que es más importante, ofreciéndonos su gran capacidad para sentirnos arropados en todo momento, algo que resulta vital para el resultado final que todos deseamos.

Durante todo este verano ha girado el proyecto por diferentes salas y festivales, ¿qué tal ha sido la acogida?

Hemos participado en diversos festivales dando a conocer este proyecto y la reacción ha sido fantástica, tanto de la crítica como de los diferentes públicos para los que hemos tenido el placer de interpretarlo. De hecho, ofrecer en programa de concierto un Mozart desconocido hoy en día es un verdadero reto y no defraudar en ese aspecto ya es una gran responsabilidad. Ahora bien, si Mozart ya es un apellido que casi es una garantía de éxito, una de las mayores alegrías que hemos experimentado ha sido la reacción del público al escuchar por primera vez a Schröter. La acogida con este compositor ha sido espectacular.

¿Qué más tiene en su agenda?

Seguiremos promocionando este disco con algunos conciertos más en España, concretamente en abril, en Bilbao y Las Palmas de Gran Canaria en el aniversario del Teatro Pérez Galdós, además de en Alemania e Italia. Aparte del repertorio del disco, continuaré mi colaboración habitual con las orquestas españolas como Oviedo Filarmonía, Orquesta de la Comunidad de Madrid, Orquesta Filarmónica de Gran Canaria; y debutaré con la Orquesta del Konzertaus de Berlín el próximo mes de enero interpretando el Concierto nº 4 de Beethoven. Fuera de España también visitaré próximamente algunas ciudades alemanas, Italia, Reino Unido, China y EE.UU., tanto en recital como colaborando con diversas orquestas y directores.

Esa manera de trabajar, casi de artesano, se nota en el resultado de cada trabajo, en un proyecto coherente desde el principio hasta el final, arriesgado pero con una base sólida en la que todo parece pensado y fluido.

El último ejemplo de este buen hacer es el proyecto Las idas y las vueltas: músicas mestizas, en el que Accademia del Piacere explora los orígenes del flamenco junto al cantaor Arcángel. De esta manera, uniendo el flamenco y la música barroca, se presentan el día 19 de este mes en el Auditorio Nacional de Madrid con un programa que también girarán en primavera por Alemania y del que realizarán tomas de sonido con la intención de editarlo en CD y DVD. Está claro que los Alqhai no tienen miedo a la crisis del mercado discográfico internacional.

¿Cómo definirían a Accademia del Piacere?

Fahmi: Un grupo de música en el mejor sentido de la palabra. Accademia cuenta desde que nació con los mismos músicos y los mismos colaboradores. Eso hace que el grupo tenga un sonido auténtico y verdadero, que no suene como el típico grupo de música antigua formado por los músicos freelance que haya en el mercado, con diferente cabeza pensante. Y además es un grupo que lleva cada programa absolutamente al extremo, en todos los sentidos, y especialmente desde el punto de vista del ensayo. Normalmente nunca hacemos programas por encargo si no encajan en nuestra línea artística, y no solemos hacer programas de aniversarios de compositores. Lo que hay es lo que hay y eso somos nosotros. Como las lentejas, nos coges o nos dejas.

Su primer disco, “Le Lacrime di Eros”, estaba dedicado al Seicento italiano. ¿Qué destacarían de él?

Fahmi: Fue nuestro primer niño, con todo lo que eso conlleva: la mayor ilusión de todos los que estábamos ahí volcada en un programa que llevábamos cinco años girando, ensayando y retocando. Cuando lo tuvimos entre las manos parecía mentira que fuera nuestro, cien por cien nuestro. Ahora lo escucho y me suena a los primeros discos que grababan los grupos jóvenes de rock de los años 70: todo pura ilusión. Lo más curioso es que es un disco que, aparte de la juventud y de los excesos posiblemente debidos a ella, siempre impacta, nadie queda indiferente.

Rami: Lo que realmente impacta de ese primer disco es que suena a directo, música viva y transparente. Si a alguien le puede parecer que el disco suena bien, o como hoy en día se dice, que “tiene pegada”, diría yo que “más pegada tiene aún si cabe en directo”. Tanto para programadores como para el público es una música abordada de una manera absolutamente deliciosa.

Y fue tal su éxito que tuvieron que reeditarlo…

Rami: Su venta fue tan impactante que en menos de año y medio tuvimos que reeditarlo porque vendimos todos los ejemplares. Esta nueva reedición está sin duda aún más cuidada en aspectos estéticos y calidad de formato. ¡Si no lo tienes, cómpralo ya!

Después llegó “Les Violes du Ciel et de l’Enfer”, un disco también clave en su historia.

Fahmi: Podría decir que es un disco que lanzó mi carrera de solista. En estos momentos hay muchos recitales míos de solo o con acompañamiento que están ahí gracias a este disco, y es en cierto modo el CD que nos está colocando fuera de España, que es una lucha que acarreamos desde hace unos años y que empezamos a vencer poco a poco.

El tercer disco, “Amori di Marte”, se centraba en las obras maestras de madurez de Monteverdi, con el “Combattimento di Tancredi e Clorinda” y el “Lamento della Ninfa” entre ellas. ¿Fue un paso más?

Fahmi: Con 34 años no puedo decir que sea un disco que suene a gente madura porque sería una farsa, pero sí que comparado con los anteriores me resulta un material mucho más asentado, con los contrastes más pulidos y las intenciones mucho más claras, pero siempre dentro de una estética bastante extrema que es la que exigen este tipo de música y de compositores.

Rami: Amori di Marte para mí es un disco de referencia: jamás he escuchado tantos detalles musicales, melodías, ornamentos, ambientes sonoros, empaste de grupo, momentos virtuosos y tan gran elenco de músicos con tan buen feeling unidos todos a una para grabar un disco. Creo que Fahmi consigue motivar de una forma excepcional y recibir lo mejor de cada músico.

El sello Alqhai & Alqhai – Accademia del Piacere es a pesar de su corta existencia uno de los más admirados. ¿Cuál creen que es el secreto?

Rami: Fahmi y yo nos relacionamos extraordinariamente bien como hermanos y amigos además de que estamos fuertemente compenetrados y complementados musicalmente. La total libertad artística y económica además de la gran complicidad en el ambiente son la gran ventaja del sello discográfico Alqhai & Alqhai. Nadie conoce mejor que nosotros cómo queremos que nuestra música esté expresada y presentada. Escucho una gran cantidad de discos insípidos que no llegan a transmitir más que la tristeza de una actividad obligada. Jamás me encontré con ningún sello discográfico en el que los artistas no sufrieran las cadenas de la rentabilidad y las presiones del productor. Un artista no debe sucumbir a esta presión económica, que sería, es, una triste y elegida prisión. Otro punto importante es la gran creatividad y la gran autoexigencia que se verán plasmadas en el próximo trabajo con el que sin duda estamos disfrutando muchísimo.

También están colocando sus discos en el mercado internacional, ¿cómo ha sido la acogida de los discos fuera de España?

Rami: La acogida está siendo muy buena, me sorprende que los números en relación a otros sellos sean clarísimos; vendemos más que muchos importantísimos y consolidadísimos sellos aunque, sinceramente, no miro mucho el camino de los otros. Sólo pretendo poder hacer llegar nuestra música a todos los que la puedan y quieran apreciar. Por ahora lo hacen en Francia, Alemania, Portugal, Holanda, Bélgica, Estados Unidos, Japón… y por supuesto seguiremos creciendo.

Los tres discos han cosechado importantes premios…

Rami: La práctica habitual es presentar tus candidaturas, pero lo cierto es que jamás hemos presentado nuestros discos a nadie para que nos concedieran premios, no sentimos esa necesidad, y posiblemente tenemos más premios o menciones de las que conocemos. Además de los reconocimientos en España, y que sepamos, fuera hemos recibido por ejemplo el Premio Prelude Classical Music 2009 de los Países Bajos por Le Lacrime di Eros, la nominación a los International Classical Music Awards 2011 de la crítica europea por Les Violes du Ciel et de l’Enfer y la distinción de CD Tipp (CD Recomendado) 2011 en la revista alemana Toccata Magazine por Amori di Marte

Ahora están metidos de lleno en “Las idas y las vueltas”. ¿Cómo surgió el proyecto?

Fahmi: Desde hace mucho tiempo lo tenía en la cabeza. Escucho flamenco desde hace muchos años y es una de las pocas músicas que me hacen saltar las lágrimas. Justamente Arcángel era uno de mis cantaores preferidos por su voz delicada y afinada, y el uso “a la antigua” que hace de ella. Algo dentro de mí me dice que la música colonial barroca, como otras muchas, siempre fue cantada con este tipo de voces, más cercanas a lo popular que al canto pálido y liso de las iglesias (algo con lo que tampoco estoy de acuerdo del todo). Todo este mejunje me hizo insistirle a Arcángel para que hiciéramos un proyecto de estas características, y ya ves, aquí estamos.

¿Cómo será el formato?

Rami: La idea inicial es el CD en formato estándar, aunque estamos realizando videos de las sesiones de ensayos y conciertos para que quien compre nuestros discos pueda vernos también.

Sin duda se trata de un disco muy especial.

Fahmi: Lo más especial ha sido acercar dos mundos muy dispares, no digo en relación a las músicas, que están muy cercanas, sino en el sentido práctico del entendimiento y el uso de la música. Hemos tenido, sin exagerar, entre Arcángel y yo –y también mi hermano y algunos del núcleo duro de Accademia– muchísimos días de prueba, de ensayo, de conocernos, y creo que el resultado desde el primer día de estreno en Granada ha sido impactante. ¡Es ya una verdadera joya!

¿Cómo ha sido trabajar con Arcángel?

Fahmi: Maravilloso, un musicazo como la copa de un pino y sin ningún tipo de rarezas. Ritmo, notas, afinación y mucho corazón: el secreto de la música y de los músicos. Todo lo demás son divagaciones.

¿Cómo va la preparación del disco y el DVD?

Rami: Acaban de notificarme que la comunidad de no voy a decir dónde nos ha cancelado un concierto que nos iba a servir de excusa para grabar el DVD. No se debería permitir que en este país sucedan estas cosas mientras existan otras tan injustas, lujosas, absurdas y caras. Así nunca existirá un tejido profesional que pueda crecer de manera sana. Entonces… reorganizaremos todo y reharemos las fechas… Por ahora estamos en octubre, con seguridad, en Roma el 9, en el Audiorio Nacional de Madrid el 19 y en Elche el 29. En esos lugares grabamos parte del DVD.

¿Dónde presentarán el proyecto?

Rami: Este espectáculo se presentó en Granada el pasado mes de julio ante un lleno de 1.300 personas, en el Palacio de Carlos V, en la Alhambra. Un éxito rotundo. Cuando tengamos el CD haremos lo mismo a nivel internacional, ya en abril, con conciertos en Hamburgo, Colonia y Berlín, y a nivel nacional muy probablemente en Andalucía, a ser posible, en Sevilla. Pero creo que todas las ciudades del mundo merecen ver este espectáculo. ¡Esto sí que es recuperación y fomento del patrimonio!

¿Qué otros proyectos tienen entre manos para los próximos meses?

Fahmi: Estamos ahora con toda la energía en Amori di Marte, en las giras en el extranjero con el programa de Las idas y las vueltas, y en un programa español que ya hemos interpretado muchas veces llamado Fantasías, diferencias y glosas, que está funcionando muy bien. Este diciembre grabaremos con Arcángel Las idas y las vueltas, y creo que en febrero haremos un CD integral de las tríosonatas de órgano de Bach. Esto segundo estamos cocinándolo a fuego lento, y la verdad que me atrae mucho la idea.

–

*** AGENDA ***

2011

9 de octubre, Roma (Italia). Accademia del Piacere + Arcángel. Programa: Las idas y las vueltas

19 de octubre, Madrid – Auditorio Nacional. Accademia del Piacere + Arcángel. Programa: Las idas y las vueltas

29 de octubre, Elche (Alicante). Accademia del Piacere + Arcángel. Programa: Las idas y las vueltas

6 noviembre, Postdam (Alemania). Lugar: Nikolaissal. Programa: Fahmi Alqhai a solo

12 de noviembre, Leytron (Suiza). Festival de Musique Ancienne Les Deux Églises. Programa: Memorias de Leipzig: Bach

2012

10 de enero, Bad Kissingen (Alemania). Accademia del Piacere + Arcángel. Programa: Las idas y las vueltas

21 de abril, Hamburgo (Alemania). Accademia del Piacere + Arcángel. Programa: Las idas y las vueltas

22 de abril, Colonia (Alemania). Accademia del Piacere + Arcángel. Programa: Las idas y las vueltas

23 de abril, Berlín (Alemania). Accademia del Piacere + Arcángel. Programa: Las idas y las vueltas

5 de agosto, Brujas (Bélgica). Accademia del Piacere + Arcángel. Programa: Las idas y las vueltas

–

Para ver el PDF de la entrevista, pulse aquí.

Para ver un video de Las idas y las vueltas, pulse aquí.

–

Sin duda alguna el 46 Heineken Jazzaldia es el mejor festival de jazz de todos los que se celebran en la península, y la programación de esta edición convierte a este festival en uno de los cinco mejores del mundo. Todo comienza el día 21 de julio con la presencia del guitarrista B. B. King en la playa de la Zurriola dentro del programa inicial del Jazz Band Ball y acaba el día 25 de julio con Toots Thielemans, posiblemente el mejor armonicista de jazz de siempre.

En medio se presenta toda una galaxia de estrellas del jazz, pero merece le pena destacar la presencia de Jan Garbarek & The Hilliard Ensemble el día 24 en la iglesia del Museo de San Telmo, donde presentan su nuevo disco Officum Novum. No menos interés tiene la presencia de la pianista japonesa Hiromi Uehera, uno de los grandes descubrimientos del jazz contemporáneo. Y a partir de aquí lo que se quiera y se desee porque hay un programa para todos los gustos. Sólo por nombrarlos, ya que los aficionados al jazz los reconocerán sobradamente, están en los diferentes escenarios del Jazzaldia Tea for 3, un proyecto capitaneado por los trompetistas Dave Douglas, Enrico Rava y Avishai Cohen; Abdullah Ibrahim & Ekaya; Forever con Chick Corea al mando y la presencia de Stanley Clarke, Lenny White, Frank Gambale, Jean Luc Ponty; Medeski, Martin & Wood que tienen como acompañantes “cañeros” al Soul Bop de Randy Brecker y Bill Evans; John McLaughlin & The 4th Dimension; John Scofield Quartet; la cantante René Marie que será todo un descubrimiento para muchos; el trío del contrabajista Avishai Cohen; Mostly Other People Do The Killing (MOPDtK)… y todo ello sin contar los músicos nacionales y los invitados noruegos. En fin, un programa brutal donde todo el mundo, si quiere, puede encontrar una propuesta con la cual disfrutar.

Posiblemente el Festival de Jazz de Ezcaray sea el último que mantenga las esencias del jazz sin querer ser contaminadas por otras músicas. Este pequeño pero aguerrido certamen se celebra los fines de semana del 9 y 10 y el 16 y 17 de julio y este año cuenta con la participación del McCoy Tyner Quartet, que tiene como compañero al saxofonista Gary Bartz. Aquí se presenta una ocasión inmejorable para ver a estos dos veteranos a los que no será fácil volver a ver en el futuro (cosas de la edad). Y también están la cantante Carla Cook con el trío de Albert Bover, René Marie, el saxofonista británico Peter King y los grupos de los saxofonistas Javier Vercher y Román Filiú.

Desde el 25 de junio y hasta el 30 de julio se celebra el XIV Festival Internacional de Jazz de San Javier, en Murcia. A lo largo de este tiempo pasan por su escenario el legendario pianista Ramsey Lewis que retorna con su Electric Band; Chicago, que ofrecen su primer concierto en España; el pianista jamaicano Monty Alexander al frente de su trío, el grupo francés Ludovic Beier New Montmartre Quartet, que puede ser todo un descubrimiento; la cantante mexicana Lila Downs; y dos de las big bands más prestigiosas del mundo, la Jazz At Lincoln Center Orchestra con Wynton Marsalis y la Clayton-Hamilton Jazz Orchestra con John Pizzarelli como artista invitado.

Del 7 al 30 de julio Peñíscola, que llega a su octava edición, acoge un festival pequeño pero contundente, con artistas de primer nivel en el jazz. Por ahí pasan las cantantes Cassandra Wilson, toda una veterana, y Roberta Gambarini, uno de los valores más seguros de la actual escena vocal femenina del jazz. La programación se completa con la presencia de tres guitarristas: Jeff Lorber, uno de los nombres punteros del smooth jazz y que actúa sólo en este festival, y los dos hombres del blues B. B. King y Lucky Peterson.

Aunque parezca increíble, alguna universidad (esa institución tan onanista y alejada de la sociedad) también se une a los festivales de jazz veraniegos. Es el caso, sorprendente a todas luces, de la Universidad de Valladolid. Son tres días, del 12 al 15 de julio, con un cartel envidiable. Por el Museo de la Ciencia de Valladolid pasa el pianista Eddie Palmieri Quartet, uno de los grandes del latin jazz, acompañado por el percusionista Horacio “el Negro” Hernández y el trompetista Brian Lynch. También está uno de los trompetistas más destacados de su generación: Roy Hargrove al frente de su quinteto. Hargrove es garantía de un jazz muy contundente. Y cosa rara, programan a dos saxofonistas españoles: el veterano Pedro Iturralde y el José Luis Gutiérrez Quartet, un hombre de la tierra, con un nivel de lo mejor en España.

Desde hace veinte años se celebra en Canarias el festival Canarias Jazz&Más, un certamen que tiene una vertiente muy smooth jazz, siendo el único que se atreve sin avergonzarse de ello a este tipo de músicos. Este año están programados los guitarristas Lee Ritenour Band & Dave Grusin y John Pizzarelli con la Clayton-Hamilton Jazz Orchestra. También están Eddie Palmieri y el cantante José James, una de las esperanzas del jazz vocal masculino, tan falta de nombres importantes. Pero sin duda es la llamada “Noche África” con la presencia de Fatumata Diawará y la Gangbé Brass Band la que más sorpresas e interés puede deparar.

Durante tres días, el 8, el 15 y el 22 de julio, se celebra el festival de Alhaurín de la Torre, uno de los pocos que se celebran en Andalucía y que suele contar siempre con una programación muy atractiva e inusual. Este año el protagonista de la cita es el pianista dominicano Michel Camilo, un auténtico maestro de su instrumento que se mueve con igual soltura en el mundo de la clásica como del latin jazz, que es lo que aquí toca. Con Camilo estan dos “bestias” del género: el percusionista Giovanni Hidalgo y el bajista Charles Flores. El cartel se completa con dos propuestas tan inusuales como interesantes: el saxofonista italiano Stefano di Battista, uno de los más destacados músicos, no sólo transalpinos sino europeos; y el guitarrista vienés Ulf Wakenius, que desde que se dio a conocer a nivel internacional viene desarrollando una carrera de lo más interesante. ¡El jazz europeo también existe!

Toda la constelación de festivales de jazz arranca el 1 de julio en Getxo con su festival, que este año llega a su 35 edición. Este certamen es el único que todavía mantiene la existencia de un concurso de grupos de jazz y en esta edición tiene como presencias más destacadas al pianista cubano Chucho Valdés, que viene con su última propuesta; The Afro Cuban Messengers; y el saxofonista Branford Marsalis, que toca tanto a dúo como con su cuarteto. Es una buena oportunidad de volver a escuchar a uno de los cuartetos más interesantes de los últimos años y de ver a Branford Marsalis tocar jazz, después de sus incursiones en el mundo de la música clásica.

El Festival de Jazz de Vitoria-Gasteiz también este año llega a su 35 edición. Nombres como los de Jamie Cullum, Ruben Blades, Michel Camilo o el violinista Nigel Kennedy pueden verse en el Polideportivo de Mendizorroza. También hay que destacar la presencia del contrabajista Kyle Eastwood, que aparece con su estupendo disco Songs from the chateau; y el homenaje a Miles Davis a cargo de Herbie Hancock, Wayne Shorter y Marcus Miller.

Y hay muchos más festivales: Pontevedra, Valencia, Atarfe, Almuñecar, Tárrega, Viajazz, Cadaqués… Esta claro que el que quiera y desee puede disfrutar de mucho y buen jazz a lo largo y ancho de la geografía española. Y que al final el jazz y el verano van a resultar un binomio inseparable.

En cualquier caso, elijan lo que les guste o apetezca y disfruten de esta estupenda y variada música llamada Jazz.

J.M.P.R

¿Se considera una mujer afortunada por el hecho de haber grabado dos discos en un espacio de tiempo tan relativamente corto?
Bueno, el espacio de tiempo no ha sido tan corto, el primer disco se grabó en 2007 y el segundo en 2010, tres años en los que yo como músico, tanto como intérprete como como compositora, he cambiado mucho. Creo que era necesario reflejar mi yo actual. Afortunada me siento por haber podido llevarlo a cabo, contar con el apoyo de una discográfica y, sobre todo, por poder hacerlo junto a estos tremendos músicos. No obstante, creo que hacer un disco y editarlo está al alcance de todo el mundo, hoy en día puedes grabar de manera muy económica. Lo más difícil es concebir tu propio proyecto, componer la música y poder entusiasmar a los músicos que van a hacer que esa música suene como tú quieres.

¿Qué es La espiral amarilla?
Es el título de uno de los temas y no significa nada, es sólo una imagen que a mí me evoca, a nivel visual, algo parecido a lo que me evoca la música recogida bajo ese título.

En La espiral amarilla hay un punto muy latin jazz. ¿Va a continuar haciendo algo en esa línea? ¿Por qué cree que el latin jazz tiene tan poco predicamento entre los jazzmen españoles?
Bueno, me sorprende que me digas eso, yo no he tratado de hacer nada latin, por lo menos de manera consciente. La verdad es que apenas he escuchado latin jazz y no tengo muchas influencias de este estilo, quizás, si percibes algo, será por la manera de tocar de Reinier Elizarde y Ariel Bringuez, que aunque mucho más influenciados por el jazz que por el latin, indudablemente, lo llevan en la sangre, han crecido con ello, y han trabajado mucho en Cuba tocando este estilo. No creo que el latin tenga poca aceptación entre los músicos españoles, lo que ocurre es que no lo llevamos dentro. España, y sobre todo Madrid, está llena de músicos latinos que tocan salsa al nivel más alto. Para ellos es algo natural, al igual que surge de una manera más natural aquí fusionar el jazz con el flamenco, y hay muchísimos ejemplos de ello.

¿Hormigas verdes es un homenaje a la película Donde sueñan las verdes hormigas de Werner Herzog o es recuerdo de alguna experiencia con esos insectos?
La verdad es que ni una ni otra. Y para no romper el misterio, mejor no te cuento de donde viene el título…

¿Se considera usted una hormiga del jazz?
Bueno, en cierta manera podría serlo, en el sentido en que soy un músico que va mejorando poco a poco, a base de trabajo diario.

En el tema que abre el disco, Ambrosia (o una historia de amor), utiliza la voz como instrumento. En su caso, ¿el amor necesita tener voz?
¡Qué va! Pero la voz, junto a el saxo, crea un timbre muy expresivo, que es justo lo que quería para ese tema. En Hormigas verdes uso un xilofón de juguete junto al piano… muchas veces un determinado timbre multiplica por mil la sensación que quieres evocar con una determinada melodía o armonía. Además, ese tema lo compuse en especial para Ángela Cervantes, que es la cantante que pone la voz, tiene incluso una letra escrita por ella que solemos interpretar en los directos.

¿Le interesa el jazz vocal para desarrollar sus propios proyectos en el futuro? ¿Le oiremos algún día cantar?
Me interesa mucho la voz como instrumento, es superexpresiva, así que sí, la respuesta es que sí me interesa. No creo que me escuchéis nunca cantar porque canto fatal, ojalá pudiera cantar, me encantaría… Alguna clase he tomado, pero creo que hasta dentro de unos 50 años no estaré preparada…

En los títulos de sus canciones parece detectarse una cierta ironía. ¿Hay que mirar la propia música con una cierta distancia?
En realidad, me siento muy reflejada en mis composiciones, pero quizás los títulos no reflejen tan bien la música, la mayoría de los títulos viene a posteriori, y quizás ahí es donde esté la ironía.

Aquí también acompaña, no sólo ejerce de líder. ¿Cómo se ha sentido en esta faceta?
Es muy divertido acompañar cuando estás dentro de una sección rítmica en la que existe constante interacción y cuando al frente hay un solista que propone constantemente y se deja influenciar por todo lo que pasa. De eso trata la música.

Cada vez hay más mujeres instrumentistas de jazz, que no son sólo cantantes. ¿Cree que esta música está dejando de ser un coto masculino?
Poco a poco va habiendo más mujeres, tal y como dices, aunque la mayoría masculina sigue siendo abrumadora. Habrá que ver qué pasa en las siguientes generaciones.

¿Sus composiciones las somete a la consideración de sus compañeros?
Me interesa la opinión de ellos, pero cuando llevo un tema a la sala de ensayo está muy pensado y básicamente terminado, raramente se modifica por opinión de terceros…

Ha pasado de trío en su primer disco a cuarteto en este. ¿Qué busca con la ampliación del grupo?
Como comenté antes, básicamente me sentí fascinada por la manera de tocar de Ariel, me inspira y me emociona, por lo que sentí la necesidad de hacer algo junto a él. Por supuesto, su manera de tocar y el hecho de ser un cuarteto han influido mucho en la música. Las composiciones son un poco más complejas, porque juego con melodías entrelazadas entre piano y saxo, busco diferentes texturas y trato de explotar los diferentes instrumentos y los ambientes que se pueden crear entre ellos.

¿Del anterior grupo sólo continúa Andrés Litwin?
Andrés también es un batería que me inspira mucho, además de ser mi novio. No me canso de tocar junto a él, además de sus habilidades técnicas y profesionales, es un grandísimo músico que crea constantemente y siempre busca más allá.

¿Se puede vivir del jazz o hay que dedicarse a otros trabajos más alimenticios?
Yo vivo del jazz…

¿Merece la pena seguir grabando discos con esto de la piratería?
¿Piensas que grabamos discos para ganar dinero o para intentar comunicar algo con nuestra música?

José Manuel Pérez Rey

Orquestas y directores

El mundo de la música clásica en España, y más especialmente el mundo de la música orquestal sinfónica, ha dado un giro de 180 grados en los últimos 30 años. En 1980 en España había únicamente siete orquestas estables, profesionales y con programación regular de temporada: Sinfónica del Liceo de Barcelona (1847), Sinfónica de Madrid (1903), Nacional de España (1937/1942), Sinfónica de Valencia (1943), Ciudad de Barcelona (1944), Sinfónica de Bilbao (1922/1959) y Sinfónica de RTVE (1965).

A partir de los 80, en los últimos 30 años, se crearon otras 19 orquestas estables, aunque algunas de ellas ya contaban con una historia anterior marcada normalmente por el amateurismo y la intermitencia de su presencia. Así, en la década de los 80 se constituyeron las orquestas Filarmónica de Gran Canaria (1845/1980), Sinfónica de Euskadi (1982), Sinfónica de Tenerife (1935/1985), de la Comunidad de Madrid (1987), Sinfónica del Valles (1987), Sinfónica de Baleares (1988) y de Cadaqués (1988). De la década de los 90 son la Sinfónica de Sevilla (1990), Ciudad de Granada (1990), Sinfónica del Principado de Asturias (1991), Sinfónica de Castilla y León (1991), de Córdoba (1992), Sinfónica de Galicia (1992), Sinfónica de Navarra (1879/1993), Filarmonía de Galicia (1996) y Sinfónica Ciudad de Oviedo (1999). Finalmente en la primera década de 2000 se crearon las de Extremadura (2000), Región de Murcia (2002) y Palau de les Arts (2006).

Otras quince orquestas (Castellón, Alicante, Ciudad de Elche, Julia Carbonell de Lleida, Chamartín, etc…) trabajan con regularidad pero con dificultades de continuidad y sin un proyecto consolidado, aunque realizan una encomiable labor en las ciudades en las que se ubican.

La historia de la dirección orquestal en España es paralela, lógicamente, a este desarrollo. Encabezados por el gran Ataúlfo Argenta (1913-1958) en los finales del siglo XIX y en la primera mitad del XX nos encontramos, entre otros, con los nombres emblemáticos de Fernández Arbós (1863-1939), Conrado del Campo (1878-1953), José María Franco (1894-1971), Eduard Toldrá (1895-1962), José Iturbi (1895-1980), Enrique Jordá (1911-1996),Vicente Spiteri (1917- 2003), Odón Alonso (1925 -2011) o Benito Lauret (1929-2005).

Ya es conocido que la carrera de dirección suele ser larga y por ello en estos momentos en el mundo de la dirección orquestal todavía permanecen en activo los directores de la llamada “generación del 50” –nacidos en los años 30 del siglo pasado– como Cristóbal Halffter (1930), Rafael Frühbeck de Burgos (1933), Enrique García Asensio (1937) o Antoni Ros-Marbà (1937). De los nacidos en la década de los 40, Jesús López Cobos, Luis Antonio García Navarro (†), Miguel Ángel Gómez Martínez, Manuel Gandulf o Max Bragado son las figuras más destacadas. Entre los nacidos en la década de los 50 podemos citar a Víctor Pablo Pérez, José Ramón Encinar, José Luis Temes, Josep Pons, Salvador Brotons, Salvador Mas Conde, José Miguel Rodilla o Edmon Colomer. Y en la década de los 60 nacen directores como Jordi Mora, David Giménez Carrera, Ernest Martínez Izquierdo, Manuel Hernández Silva, Jesús Amigo, Juanjo Mena, Gloria Isabel Ramos o Alfons Reverte.

Ocho directores para el siglo XXI

En cada una de las décadas encontramos nombres importantes, carreras distinguidas, trabajo y pasión por la música. Pero la “cosecha del 70” tiene algo especial. Son los directores que nacieron cuando España iniciaba un camino lleno de expectativas, carente todavía de realidades, pero con una energía nueva que sería capaz de transformar muchas cosas, y no es la menor la democratización e impulso de la difusión de la cultura en general y la música en particular.

La “cosecha del 70” es la generación que por primera vez encontró que no existían límites a las posibilidades de formación, la generación que ya no pensaba en España única o preferentemente como escenario de su desarrollo profesional, sino que Europa –y el mundo– eran su territorio natural.

Al llegar a la mayoría de edad contemplaron un paisaje musical y orquestal diferente. Vivieron la efervescencia de un renacimiento musical, adornado con la imparable creación de salas y auditorios, y tuvieron la posibilidad de disfrutar de una oferta imposible hasta entonces, de asistir al esfuerzo renovador interno y de acceder al disfrute de las más grandes formaciones orquestales del mundo.

Y esta “cosecha del 70” se expandió por el mundo, renunció a fronteras y se integró en un espacio artístico en el que la música carece de apellidos.

César Álvarez (Asturias,1973) fue el primer músico español en ir a estudiar dirección orquestal al más importante conservatorio europeo, el Tchaikovsky de Moscú; Josep Caballé-Domènech (Barcelona, 1973) eligió la Vienna’s University of Music and Scenic Arts, al igual que Guillermo García Calvo (Madrid, 1978); Rubén Gimeno (Valencia, 1972) pasó por el Conservatoire Royale de Bruselas, la Universidad de Maryland y el Conservatorio de Estocolmo; Pablo González (Asturias, 1975) se licenció en la Guildhall School of Music and Drama de Londres; Pedro Halffter (Madrid, 1971) estudió en la Schule Schloss Salem de Alemania, en la Hochschule für Musik de Viena y en Nueva York; Pablo Heras-Casado (Granada, 1977) se formó en Bucarest, Viena, Mainz o Lucerna; y Virginia Martínez (Murcia, 1979), la única mujer y la más joven de este grupo, se graduó en el Conservatorio de de Viena.

Estos ocho directores de orquesta no son “jóvenes prometedores”, son auténticas realidades con presencia y alcance nacional e internacional. Son los directores que van a dar a nuestra música una proyección y un vigor nuevos, no son “islas” o fenómenos singulares, genios surgidos de la nada a los que tan acostumbrados estamos en nuestro país. Son el producto de una normalización cultural, el resultado de la democratización y la expresión de una real igualdad de oportunidades.

Proyectos estables y variedad de intereses

Algunos de estos ocho maestros dirigen ya desde hace años formaciones estables. Es el caso por ejemplo de Pedro Halftter, el más precoz de esta “cosecha” en alzarse al podium de una formación orquestal estable, la Sinfónica de Sevilla en 1996 cuando contaba con 25 años, cargo que compagina desde 2004 con la titularidad de la Filarmónica de Gran Canaria. César Álvarez accede a la titularidad de una orquesta, la Sinfónica de Tomsk (Rusia) en 2000, con 28 años, y desde marzo de 2011 compagina este trabajo con el de Principal Director de la Orquesta Sinfónica Estatal de San Petesburgo. Pablo González ha accedido esta temporada a la dirección de una de las orquestas más antiguas de España, la Sinfónica de Barcelona y Nacional de Catalunya; Rubén Gimeno se ha subido al podio de la Orquesta del Vallés, una de las escasas orquestas estables impulsada y financiada por la iniciativa privada; y Virginia Martínez desarrolla un amplio programa pedagógico y musical con la Orquesta de Jóvenes de la Región de Murcia.

Pero en este grupo existe también una característica importante: la variedad de intereses y el deseo de explorar y descubrir nuevas posibilidades. Pablo Heras-Casado es quizá el ejemplo más evidente de que esta generación no tiene fronteras físicas ni musicales. Su recorrido desde la música antigua hasta la ópera por escenarios de todo el mundo es singular y sorprendente. Josep Caballé-Domènech y Guillermo García Calvo llevan más de una década poniéndose al frente de producciones operísticas y grupos orquestales internacionales y su presencia es constantemente requerida.

La diversidad de intereses musicales es una nota común a todos ellos. Dirigir una orquesta estable es solo una fase, un objetivo. Pablo González, que acaba de acceder a la dirección de la Nacional de Catalunya señala que “este trabajo te permite una relación mejor con el grupo, proponer un trabajo a más largo plazo; es un reto muy grande a nivel humano porque está en tu mano crear un ambiente, indagar en las posibilidades y los porqués del grupo”.

La experiencia es similar en César Álvarez, quien lleva más de diez años al frente de la Orquesta Sinfónica de Tomsk, llamada anteriormente Sinfónica de Siberia, una de las más antiguas de Rusia (1879). “Fui elegido para el cargo en un concurso público en el que los que decidían eran los propios músicos de la orquesta. Y me seleccionaron por unanimidad. La relación humana, el buen ambiente entre la orquesta y el director es lo más importante para obtener los mejores resultados artísticos. Esta buena relación ha derivado en que ahora me hayan nombrado Director Honorífico de Tomsk y trabaje algunas semanas al año con esta orquesta. Mi principal ocupación será la Dirección Artística de la Orquesta Sinfónica Estatal de San Petesburgo, en donde ya he comenzado a planificar la próxima temporada”.

Pablo Heras Casado, que destaca por su versatilidad, declaraba también recientemente que lo ideal para su carrera sería combinar la dirección de una orquesta estable con el trabajo por libre con otros grupos y proyectos: “La titularidad significa tener la posibilidad de programar, crear y construir un proyecto a medio y largo plazo. Pero también necesito la vía de experimentar con más libertad en otros contextos”.

Se acabaron los complejos

Probablemente una de las características que mejor define a esta “cosecha del 70” es la ausencia de complejos. Esta generación de directores que se ha formado, que ha trabajado y se ha relacionado con los músicos más importantes del mundo, sabe que tenemos mucho que aprender pero también tenemos mucho que enseñar.

“Cuando dirijo en Europa –dice Pablo González– me encuentro con orquestas que no son mejores que las españolas. Seguimos viviendo de estereotipos. Y si hay alguna realidad es que las orquestas españolas son, día a día y año a año, mejores.”

Los ocho directores de esta magnífica “cosecha del 70” van a estar presentes con sus proyectos en esta y la próxima temporada en más de cien escenarios y ciudades diferentes de Europa, América, Asia y Australia. Y van a asumir retos impensables hace unos años como vienen haciéndolo, con naturalidad, hasta ahora. Probablemente, en conjunto, su trabajo en el extranjero está siendo de mayor dimensión que el que realizan en España. No se trata en este caso de que se esté repitiendo aquello del poco aprecio que los españoles muestran por lo suyo. Quizá en este caso lo que está ocurriendo es que la cultura y la realidad de la programación musical en España necesitan de una segunda “vuelta de tuerca”, necesita una “segunda revolución”.

Quizá sea reflejo de que hemos andado un camino necesario hasta el momento pero que, alcanzadas las metas básicas, necesitamos incorporar a nuestra música un nuevo concepto de modernidad, de innovación, de creación. Necesitamos poner nuestras orquestas, nuestros teatros y nuestros auditorios al servicio de un espectáculo musical más vanguardista en el fondo y en la forma.

El modelo de concierto o las producciones operísticas están siendo objeto de una profunda revisión; y mientras nuestra más joven generación de directores está siendo partícipe de esta nueva revolución, nuestras estructuras musicales tienen todavía un camino por recorrer y nuevos espacios por explorar.

“Creo que nuestra generación –explica César Álvarez– ha sido partícipe y protagonista de una idea de interdisciplinaridad entre las artes, de la necesidad de avanzar en un nuevo estilo de espectáculo musical, de un acercamiento diferente al publico, a los nuevos públicos. Creo que nos corresponde también en España ser los protagonistas de este cambio, porque nos debemos a nuestro tiempo y a nuestro público. Y sobre todo creo que los programadores, los directores artísticos, deben ser conscientes de que hay que arriesgar más, hay que innovar más”.

Ellos están preparados. Los próximos 50 años son suyos.

–

*** César Álvarez ***

(Asturias, 1973) Es considerado como una de las más firmes realidades de la dirección orquestal española. Realizó sus primeros estudios en Madrid y posteriormente se trasladó al Conservatorio Estatal Tchaikovsky de Moscú. Allí estudió piano, contrapunto, fuga y composición. Es el único director de orquesta español formado en el más prestigioso conservatorio ruso. En los años de conservatorio en Moscú inició su trabajo artístico como director al frente de las más diversas agrupaciones rusas, como Orquesta del Conservatorio Estatal de Moscú, Orquesta Música Viva (Moscú), New Music Studio (Moscú), Orquesta Sinfónica de Krasnoyarsk, Orquesta Filarmónica de Siberia, Orquesta Sinfónica de Kemerovo, Orquesta Nacional Rusa u Orquesta Sinfónica Estatal de San Petesburgo, entre otras. A los 28 años, por elección unánime de todos los músicos, fue nombrado director titular de la Orquesta Filarmónica de Tomsk, una de las más antiguas orquestas de Rusia. En estos 11 años ha dirigido más de doscientos conciertos como director titular, incluyendo giras por diferentes países. En 2011 ha sido nombrado Director Honorífico de la Filarmónica de Tomsk y Principal Director de la Orquesta Sinfónica Estatal de San Petesburgo. Ha dirigido también formaciones como Orquesta Sinfónica de Entre Ríos (Argentina), Orquesta Sinfónica de RTVE, Joven Orquesta de Euskal Herria, Vanderbilt Symphony Orchestra (EEUU), Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias, Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia y Orquesta de la Radio Televisión de Albania. Ha sido durante diez años Director Artístico de la Orquesta de Jóvenes de la Región de Murcia. César Álvarez es, probablemente, el director joven español con repertorio más amplio: más de 160 partituras sinfónicas interpretadas así como numerosas óperas y ballets. Durante estos años ha dirigido a solistas cómo Nikolai Lugansky, piano; Alexei Ogrintchouk, oboe; Alexander Rudin, violoncello; Nikolai Petrov, piano; Alexei Bruni, violín; Marc Grauwels, flauta; o Dimitri Miller, violoncello, entre otros.

*** Josep Caballé-Domènech ***

(Barcelona, 1973) Nacido en una familia de músicos, estudió piano, percusión, canto y violín. Completó su formación en la Vienna’s University of Music and Scenic Arts. Ha dirigido algunas de las principales orquestas europeas como Royal Philharmonic en Londres, Tonhalle Orchester Zurich, WDR Cologne, Swedish Radio Symphony, Czech Philharmonic, Brno Philharmonic Orchestra, Orquesta Sinfónica de Barcelona, Giuseppe Verdi Symphony Orchestra en Milán, New Japan Philharmonic, Houston Symphony Orchestra, Tonkuenstler Orchester de Viena y Trondheim Symphony, entre otras. Ha sido el Principal Director Invitado en la Norrköping Symphony Orchestra. En la temporada 2003/2004 hizo su debut en el mundo de la ópera en el Liceu de Barcelona, dirigiendo la ópera de Mozart Così fan tutte. Desde entonces ha dirigido habitualmente en este auditorio, así como en el Festival de Savonlinna, en el Teatro La Fenice de Venecia, en la Stuttgart State Opera, en la Vienna Volksoper y en el Teatro Nacional São Carlos de Lisboa. En la temporada 2008/2009 destacó su trabajo en Luisa Fernanda de Moreno Torroba en el Theater an der Wien con Plácido Domingo y la RSO Wien. Ha sido invitado de nuevo a dirigir la Royal Philharmonic Orchestra, la Orquesta Sinfónica de Barcelona, la Norwegian National Youth Orchestra, la Brno Philharmonic y la Stavanger Symphony, entre otras.

Entre sus recientes y próximos compromisos en la presente temporada se incluyen la Sinfónica de Trondheim, la Orquesta Sinfónica de Tenerife, la Filarmónica de Tampere, la San Antonio Symphony Orchestra y la Orquesta Filarmónica de Málaga. Josep Caballé-Domenech ha sido galardonado con el Aspen Prize de la Academia Americana de Dirección de Aspen. Fue nombrado Protégé de Sir Colin Davis en el ciclo inaugural de la primera edición del programa Rolex Mentor and Protégé Arts Initiative (2002/2003). Acaba de ser nombrado director musical de la Colorado Springs Philharmonic Orchestra.

*** Guillermo García Calvo ***

(Madrid, 1978) Se graduó en la Universidad de Música de Viena con una tesis sobre Parsifal y con un concierto en la Gran Sala del Musikverein dirigiendo la overtura de Tannhäuser. Entre 2000 y 2002 completó su formación como asistente de Iván Fischer y la Orquesta del Festival de Budapest. En marzo de 2003 debutó como director de ópera con Hänsel und Gretel en el Schlosstheater de Schönbrunn. Desde noviembre de 2003 ha mantenido una estrecha relación con la Ópera Estatal de Viena, donde ha dirigido un centenar de representaciones de ópera para niños y desde octubre de 2007 funciones de ballet. Hasta la fecha ha sido responsable de la preparación musical de más de 50 títulos del repertorio operístico en la Ópera Estatal de Viena. En más de 60 funciones dirigidas en dicho teatro, con la Orquesta Filarmónica de Viena. En diciembre de 2009 dirigió la nueva producción de Macbeth en la Ópera Estatal de Viena en sustitución de Daniele Gatti, poco después de haber debutado en la Deutsche Oper de Berlín con otra nueva producción en mayo de 2009, La Cenerentola, con éxito arrollador de público y crítica. Entre los proyectos actuales destacan en la temporada 2010/2011 nuevas apariciones en la Ópera Estatal de Viena (L’Elisir d’amore, Onegin, Don Quixotte y Giselle), en la Deutsche Oper de Berlín (Lucia di Lammermoor e Il Barbiere di Siviglia), así como conciertos con la Orchestre de Chambre de Genève, la Orquesta Nacional de Letonia, la Orquesta Filarmónica de Málaga y la Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias.

*** Rubén Gimeno ***

(Valencia, 1972) Se graduó en violín y música de cámara en el Conservatoire Royale de Bruselas. Sus inicios en el mundo de la dirección vinieron de la mano de James Ross. Se graduó en la Universidad de Maryland y posteriormente estudió en el Conservatorio de Estocolmo con el reputado maestro Jorma Panula, recibiendo clase de maestros como Alan Gilbert, Essa Pekka Salonen, Jukka Pekka Saraste y Leonard Slatkin. Como Director Invitado ha colaborado con gran parte de las orquestas españolas, como Orquesta Sinfónica de Galicia, Orquesta Nacional de España, Orquesta Sinfónica de Tenerife, Orquesta de Euskadi, Orquesta Sinfónica de castilla y León, Orquesta de Málaga, Orquesta de Valencia, Orquesta de Barcelona y Nacional de Cataluña, Orquesta Ciudad de Granada y Oviedo Filarmónica, entre otras. Así mismo, ha sido Director Artístico de la Joven Orquesta de la Sinfónica de Galicia durante casi una década, labores que simultaneó con el puesto de violinista de la Orquesta Sinfónica de Galicia. Fuera de nuestras fronteras ha colaborado con Norrkoping Symphony Orchestra, Gavle Symphony Orchestra, Orquesta de Cámara de Ginebra, Orquesta del MMCK (Japón) y Orquesta Nacional de Colombia, dirigiendo a solistas de la talla de Dimitri Sitkovetsky, Fazil Say, Kirill Gerstein o Michel Camilo. Su actividad en el campo de la lírica le ha llevado a dirigir en la temporada de zarzuela del Teatro Campoamor de Oviedo. En octubre de 2010 hizo su debut en el Teatro de la Zarzuela y en febrero de 2011 debutó como director de ópera con la obra de Offenbach Los cuentos de Hoffman en la temporada de Amics de l’Opera de Sabadell. En la temporada 2009/2010 Rubén Gimeno fue designado nuevo Director Titular de la Orquesta del Vallés. Continua con sus colaboraciones en otros proyectos y entre ellos destacan su debut en el Teatro de la Zarzuela y su reciente presentación en la temporada de la Orquesta Nacional de España, junto a la afamada violinista Midori y el Coro Nacional de España.

*** Pablo González ***

(Asturias, 1975) Estudió en la Guildhall School of Music and Drama de Londres. Ganador del Donatella Flick Competition en el año 2000, rápidamente comenzó a establecer una importante reputación como Director Asociado de la London Symphony Orchestra y de la Bournemouth Symphony Orchestra. En 2006 ganó el VIII Premio Internacional de Dirección de Cadaqués. Además de sus numerosas actuaciones en España, en las últimas temporadas ha dirigido a Orchestre National du Capitol de Toulouse, London Symphony Orchestra, Royal Liverpool Philharmonic Orchestra, Tonkünstler Orchestra, Warsaw Philharmonic Orchestra, Orchestre de Chambre de Lausanne, Sinfonieorchester Basel, Orchestre Philharmonique de Estrasburgo, Winterthur Musikkolegium y Deutsche Radio Philharmonie Saarbrücken-Kaiserslauten, orquesta con la que colabora habitualmente y con la que recientemente ha grabado un disco dedicado a Schumann para Hänssler Classics. En el terreno operístico ha dirigido Carmen en San Sebastián y en la temporada 2009/2010 un exitoso Don Giovanni con la Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias en la Ópera de Oviedo. Planes futuros incluyen Daphne en versión concierto en el Gran Teatre del Liceu con la OBC y Jen?fa en Gran Canaria y conciertos con la Stuttgarter Kammerorchester, Orchestra de la Svizzera Italiana y Orchestre Filharmonique de Liège. Ha colaborado con prestigiosos solistas de la escena internacional como Anne-Sophie Mutter, Maxim Vengerov, Truls Mork, Renaud Capuçon, Viviane Hagner, Alban Gerhardt, Violetta Urmana y Christopher Maltman. Es Director Titular de la Orquestra Simfònica de Barcelona i Nacional de Catalunya desde la temporada 2010/2011.

*** Pedro Halffter ***

(Madrid, 1971) Realizó sus estudios en la prestigiosa Schule Schloss Salem, Alemania, y asistió a cursos de dirección de orquesta con destacados pedagogos y maestros de la talla de K. Öesterreicher, B. Weil, I. Musin y F. Leitner, ampliando sus estudios de dirección en la Hochschule für Musik de Viena y de composición en Nueva York. Ha dirigido en las salas de conciertos más prestigiosas del mundo como en Musikverein de Viena, Konzerthaus de Berlín, Queen Elizabeth Hall de Londres, Théâtre du Chatelet de París, Teatro Real de Madrid, Opera City Concert Hall de Tokio y Shanghai Concert Hall; y algunas de las más importantes agrupaciones sinfónicas del mundo como Philharmonia Orchestra de Londres, Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera, Deutsches Symphonie de Berlín, Orquesta Nacional del Capitolio de Toulouse, New Japan Philharmonic, Staatskapelle Berlin, Filarmónica de Dresde, Filarmónica de Rótterdam o Sinfónica de Montreal, además de la mayoría de las orquestas españolas. En el terreno de la lírica ha dirigido un extenso repertorio de más de treinta títulos operísticos entre los que recientemente destaca Tannhäuser de R. Wagner en una nueva producción de Katharina Wagner. Ha debutado con Salomé de R. Strauss en la Staatsoper de Berlín. Ha compuesto más de una veintena de obras. De 2001 a 2004 fue Principal Director Invitado de la Orquesta Sinfónica de Núremberg, cargo que compaginó con el de Director Titular de la Orquesta de Jóvenes del Festival de Bayreuth durante los años 2002 y 2003. En la actualidad es Director Artístico del Teatro de la Maestranza y Director Artístico y Titular de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla y de la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria.

*** Pablo Heras-Casado ***

(Granada, 1977) Sus primeros contactos con la música se produjeron a los 8 años como niño cantor en su colegio granadino, y sus primeras lecciones de piano antes de ingresar en el conservatorio. A los 17 años creó su primer grupo de música antigua y realizó estudios de dirección coral con Harry Christophers. A partir de este momento inició una formación múltiple y ecléctica que le llevó a cursar estudios en Bucarest, Viena, Alcalá de Henares, Mainz o Lucerna, siempre explorando nuevas áreas, nuevas formas y proyectos. Un jurado presidido por Pierre Boulez y Peter Eötvös le concedió en 2007 el primer premio del Lucerne Festival Conductors’ Competition. Desde 2007 su trayectoria ha tenido tintes de espectacularidad iniciando un recorrido que le lleva a ponerse al frente de las más prestigiosas y diferentes agrupaciones musicales mostrando una amplitud de intereses y capacidades. Entre esos nuevos intereses en 2008 se inició en París en el mundo de la ópera, trabajando como asistente de Sylvain Cambreling. En 2009 inició una estrecha colaboración con la Filarmónica de Los Ángeles que continúa desde entonces. Los tres últimos años han sido un continuo viajar por España, Europa y América ocupando el atril de más de una treintena de orquestas entre las que están, por ejemplo, Orchestre National d’Ile de France, BBC Symphony Orchestra, NHK Symphony Orchestra, Royal Academy Symphony Orchestra, BBC Philharmonic Orchestra, Staatskapelle Dresde, Danish National Radio Symphony Orchestra, Orchestre Philharmonique de Radio France, San Francisco Symphony, Seattle Symphony, The Hague Philharmonic Orchestra y producciones de ópera en Burdeos, Madrid, Londres, Cardiff o Nueva York. En este tiempo en España se ha puesto al frente de Orquesta Nacional de España, Orquesta Sinfónica de Madrid y Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia. Un ejemplo de su actividad es que el presente año habrá visitado, entre otras, dirigiendo programas sinfónicos y óperas, las ciudades de Toronto, Indianápolis, París, Chicago, Luxemburgo, Tokyo, Tsukuba, Saitama, Berlín, Lenox y Nueva York.

*** Virginia Martínez ***

(Murcia, 1979) En 1999 se graduó en el Conservatorio Superior de Música de Murcia y comenzó la carrera de Dirección de Orquesta en el Conservatorio de Viena con Reinhard Schwarz y Georg Mark, que finalizó en 2003 dirigiendo en el concierto de graduación a la Orquesta Sinfónica de la Radio de Viena. En 2000 entró a formar parte del Singverein Chor de Viena, con el que dio numerosos conciertos por toda Austria durante tres años. En 2003 hizo su presentación oficial en la Región de Murcia al frente de la Orquesta Sinfónica de Murcia. En 2004 fue nombrada asistente de Bertrand de Billy en el Gran Teatro del Liceu de Barcelona. En la temporada 2005/2006 fue directora asistente de la Orquesta Sinfónica de Barcelona y Nacional de Cataluña, trabajo que compaginó con la dirección artística de la Orquesta de la Escuela Superior de Música de Cataluña. En la temporada 2006/2007 fue nombrada Asistente de la Orquesta de Valencia junto a Yaron Traub. En la temporada 2005/2006 dirigió diversos conciertos con la Orquesta Ciudad de Granada y la Orquesta de Cámara de Viena, en la famosa Konzarthaus. En 2010 estrenó en el Festival Grec de Barcelona, en el Teatre Lliure, Amb els peus a la Lluna, la primera ópera del compositor mallorquín Antoni Parera Fons, con libreto de Manuel Maestro. Ha dirigido, entre otras, a las orquestas Sinfónica de la Región de Murcia, Sinfónica de Navarra, Sinfónica de Valencia, Sinfónica del Vallés, Sinfónica del Principado de Asturias, de Granada, de Córdoba, y Nacional de Santo Domingo, donde colaboró con Philippe Entremont. En marzo pasado llevó a cabo una gira de cinco conciertos en las ciudades de Viena y Bratislava con la Orquesta de Jóvenes de la Región de Murcia, orquesta de la que es su directora titular.

–

Una de las características de esta serie es que en cada disco participa un músico neoyorquino que ha tenido, y tiene, especial relevancia en la escena jazzera de Harlem, y por extensión de Nueva York. En la primera entrega estuvo el pianista Larry Willis, en la segunda participó el trombonista Frank Lacy y en esta tercera el invitado es el baterista Greg Bandy, conocido como “The Mayor of Harlem”.

En esta tercera entrega Miguel Ángel Chastang ha tenido la oportunidad de contar con la presencia de su amigo el saxofonista y flautista Jorge Pardo, uno de los pioneros del jazz flamenco y un músico con el que, a pesar de la amistad que los une, ha tenido pocas ocasiones de grabar. Esta es una de esas raras oportunidades. Y es que a Chastang le gusta tocar con sus amigos: “Tocar tu propia música es un placer sublime pero tocarla con tus amigos roza lo celestial”, comenta.

Esta nueva propuesta, en la que el contrabajista deja salir su lado más “groove”, tiene una característica que la diferencia de sus anteriores trabajos: no repite ningún músico con los que ha trabajado en los últimos tiempos. Como él mismo indica esto supone “un corte absolutamente radical” con su pasado, aunque, matiza, “sin rencor y siempre dispuesto a revisarlo”.

En The Mayor of Harlem, From Harlem to Madrid Vol.III sigue quedando patente la depurada técnica que posee con su instrumento, su gran sensibilidad y sobre todo su extraordinaria versatilidad, que le han convertido en una indiscutible primera figura del jazz español.

Poder llevar adelante un proyecto como este es una rareza en el panorama del jazz español. ¿Cómo lo consigue?

Bueno, un poco de suerte, mucho trabajo y absoluta coherencia y sinceridad musical.

El primero fue con Larry Willis, que casi le “roba” el disco, el segundo lo hizo con Frank Lacy, que fue más suyo, y este último, ¿cómo lo definiría?

Creo que el resultado tiene relación con el liderazgo y la composición en un sentido amplio, abarcando los arreglos y la dirección musical. Tocando standars con Larry Willis siempre te va a pasar que te “robe” algo. Con Bandy y Pardo y el resto de los músicos que participan en esta entrega tengo la sensación de haber superado lo que nunca fue un problema.

¿Charles Mingus y Thelonius Monk son dos músicos inevitables en su panteón musical?

Yo no diría inevitables pero sí es cierto que son una constante en mi carrera.

¿Se ha desmelenado al dejar salir su lado más “groove”?

Lo cierto es que siempre me ha gustado el funk y el soul y todo lo que tiene que ver con el “groove”, aunque sea una vertiente mía menos conocida. En este disco hay un intento consciente de recuperar algo de ello y en concreto es fundamental la aportación de Greg Bandy.

El disco se inicia con Just Having fun. ¿La grabación del disco fue “fun” o hubo que trabajárselo más de lo que pensó en un principio?

Fue “fun” de principio a fin. Le mandé un ejemplar a “Cifu” y fue justamente lo que me dijo días después: “se nota que estabais disfrutando”, me dijo. Y tenía razón.

¿Con la mujer de uno hay que bailar un vals? ¿Le gustó a su mujer la canción que le dedica?

Sí, y no solo a ella, varios amigos me han dicho que es el tema que más les gusta.

Greg se reía cuando le dije el título del tema…”Ja ja ja! Every musician has a song for his wife”, decía…

¿De qué siente nostalgia?

No de demasiadas cosas. Una de ellas, Nueva York. Pero, en relación a la canción, es un velado homenaje a un familiar ausente.

También es un disco de reencuentros, por la presencia tanto de Bandy como de Jorge Pardo. ¿Hace discos para poder tocar su música y para tocar con sus amigos?

Tocar tu propia música es un placer sublime pero tocarla con tus amigos roza lo celestial. En la medida de lo posible siempre lo intentaré

¿En cada disco suyo tiene que superar lo que usted mismo llama el “test de las tres miradas”?

¡¡¡No!!! Afortunadamente, no al menos en mis propios discos.

A Greg Bandy le conocen como “The Mayor of Harlem”. ¿Ahora le tocará al sheriff, después al banquero… y así hasta completar todo Harlem?

Podría completar una larga lista de personajes de Harlem aunque el banquero sería definitivamente lo más difícil.

No repite ningún músico de sus anteriores trabajos. ¿Es un corte radical con su pasado?

Es un corte absolutamente radical, aunque sin rencor y siempre dispuesto a revisarlo.

¿La serie tiene límite o este es el proyecto jazzístico final?

No tiene límite de momento. Espero poder continuarla, ya estoy trabajando en From Harlem to Madrid, Vol.IV.

–

José Manuel Pérez Rey

Colomer es uno de los directores de orquesta europeos más eclécticos y respetados de su generación. Ha sido fundador y director titular y artístico de la Joven Orquesta Nacional de España (JONDE) entre 1983 y 1995; director titular de la Orchestre de Picardie entre 1998 y 2002; director titular y artístico de las orquestas Simfònica del Vallès y Simfònica de Balears entre 2002 y 2005; y director titular y artístico de la Daejeon Philharmornic Orchestra desde octubre de 2007. Nombrado “Chevalier dans l’ordre des palmes académiques” por el Ministerio de Cultura francés en 2002, Colomer está a punto de concluir su primera temporada como director titular y artístico de la Orquesta Filarmónica de Málaga. Charlamos con él sobre el pasado, el presente y el futuro de la orquesta.

¿Recuerda su primer contacto con la Orquesta Filarmónica de Málaga?

Hace algunos años dirigí La Creación de Haydn con la entonces llamada Orquesta Ciudad de Málaga, pero no fue hasta mayo de 2008 que se inició el periodo que me ha llevado a la titularidad. Recuerdo perfectamente el programa, integrado por Tres meditaciones de la Misa de Bernstein, Schelomo de Bloch y la Sinfonía nº 10 de Shostakovich. El solista era Gary Hoffmann.

¿Cómo estaba la orquesta a su llegada?

Me encontré con una orquesta que sin decirlo me exigía rigor y capacidad para motivarle. Su actitud era, como lo es ahora, la de reclamar un liderazgo que haga creíble el proyecto sinfónico que los músicos desean llevar a cabo. En relación al nivel artístico no dudo ni un instante en afirmar que con la OFM se puede llegar muy lejos. Está formada por artistas de procedencias muy dispares –como en la mayor parte de las orquestas sinfónicas– y altamente cualificados.

¿Qué tal se ha desarrollado este primer año de trabajo?

El trabajo directo con la orquesta se ha desarrollado con toda normalidad, a través de obras muy diversas, elegidas ex-profeso para poner a prueba nuestro trabajo en común y para ofrecer al público un abanico amplio de opciones estéticas. Tanto la temporada regular en el Teatro Cervantes como los conciertos fuera de este ámbito o de la ciudad están siendo experiencias de una intensidad extraordinaria. Siento que se afianzan las complicidades artísticas que requiere cada obra que preparamos y ejecutamos juntos. La OFM, a diferencia de la mayor parte de orquestas de ciudades con una población parecida, ofrece ciclos especializados dedicados tanto a la música contemporánea como a la llamada “música antigua”. En ambos casos he aceptado implicarme para conocer desde dentro su funcionamiento y aportar ideas que espero sean útiles para su fortalecimiento.

¿Cómo ve la orquesta en estos momentos?

Una orquesta es un colectivo de artistas preparados para tocar al más alto nivel profesional. Este es exactamente el perfil de la Orquesta Filarmónica de Málaga que se manifiesta concierto tras concierto delante de un público crítico y exigente. Dicho esto, no me siento legitimado para ponerle adjetivos o hablar de un nivel determinado. La excelencia de la orquesta, o lo que es lo mismo, el óptimo resultado que se espera de una orquesta no solo depende de cada músico sino también del trabajo de preparación en el que el director asume un rol fundamental. Nos encontramos pues en una etapa de compenetración progresiva en la que doy prioridad a la motivación y a la confianza que cada músico necesita para conocer cuál es su ámbito de responsabilidad con la máxima precisión posible. La música se somete a las leyes de la naturaleza y en consecuencia a las estructuras matemáticas o físicas que intentan explicarlas. Hacer música sinfónica implica ordenar al máximo todos estos elementos para acercarse lo mejor posible a la idea del compositor.

En este mes de mayo convocan audiciones, ¿qué plantilla tiene la orquesta y cuál va a ser en un futuro?

La plantilla de la OFM consta de 4 flautas, 4 oboes, 4 clarinetes, 4 fagotes, 6 trompas, 4 trompetas, 4 trombones, tuba, arpa, timbales y 3 percusiones. La cuerda se distribuye en 14 violines primeros, 12 violines segundos, 10 violas, 8 violonchelos y 7 contrabajos. No toda la plantilla está cubierta. En los últimos años algunas plazas se han cubierto a través de contratos laborales y hoy pretendemos cubrir el mínimo de plazas que una programación sinfónica equilibrada requiere. Esta es la razón de las próximas pruebas de admisión. No se cubrirán todas las plazas e incluso algunas se desdotarán, pero siempre se mantendrán las plazas con contratos fijos. La crisis impone un plan de austeridad que afecta a la plantilla y por tanto a la programación. ¿Significa ello un recorte en calidad? En absoluto. Nunca la cantidad ha sustituido a la calidad. En mi opinión la austeridad no tiene por qué tener connotaciones negativas.

¿Qué líneas seguirá la próxima temporada?

Una plantilla nutrida como la de la OFM requiere propuestas que impliquen a cada músico de una forma activa y constante. La programación de la temporada integra a la mayor parte de la plantilla, pero difícilmente la orquesta accede a un repertorio de un formato decididamente camerístico cuya programación constituiría un estímulo para profesores y público. Este es el reto que afrontamos y que se traducirá en varios programas de orquesta de cámara que se prepararán simultáneamente. Ello no impedirá continuar con el ciclo de música genuinamente camerística que vienen protagonizando los profesores de la orquesta desde hace algún tiempo. Al ciclo de música contemporánea y de conciertos didácticos que ya existen se añadirán programas de divulgación musical para todas las edades. Abriremos la temporada con la Tercera Sinfonía de Mahler para culminar la celebración de los aniversarios correspondientes. No es ninguna originalidad, lo admito, como tampoco lo es programar una sinfonía de Beethoven, pero, ¿no se nutre nuestro espíritu de visiones cada vez renovadas de las grandes obras de arte? Propuestas sorprendentes, programas originales y artistas excepcionales los habrá, pero la prudencia me aconseja esperar a la presentación de la temporada. Por otro lado, se oyen voces que reclaman una mayor presencia de la OFM fuera de la ciudad. Asumo la responsabilidad de trabajar a fondo para lograr que la orquesta visite las poblaciones más importantes de la provincia. Entiendo que la voluntad debe ser recíproca y estoy seguro de que así será. También es importante que la OFM sea conocida en toda España y que pueda acceder a los circuitos artísticos europeos de prestigio. No es el mejor momento para una gira si nos atenemos a los recortes presupuestarios, pero soy optimista y sé que alguna “piedra” se moverá para echarnos una mano.

La orquesta tiene una larga lista de grabaciones discográficas, muchas de compositores españoles, ¿cuáles es la labor de la orquesta en este sentido?

El patrimonio que se ha ido construyendo a través de tantos años habla por sí solo. Es el reflejo de una voluntad inequívoca de servicio a la creación musical española. Este proceso no se detiene, aunque se reconduce para hacer una selección minuciosa de compositores, obras y artistas invitados. En este momento se están cerrando acuerdos para grabar para alguna firma de ámbito internacional.

¿Cómo imagina la orquesta en un futuro?

Una parte de mi respuesta tiene su preámbulo en alguna de las de las respuestas anteriores. La orquesta existe, lo cual es una gran noticia, y la apuesta política es inequívoca. La OFM debe ser la embajadora cultural de una ciudad en la que coexisten centros culturales de proyección internacional como el Museo Picasso, el Museo de Arte Contemporáneo o el MuseoThyssen que acaba de abrir sus puertas. En Málaga además se dan cita anualmente festivales de cine y teatro sin olvidar la atención que la literatura recibe a través del Centro Andaluz de las Letras. Un porcentaje altísimo de la actividad cultural emana de la existencia de la Orquesta Filarmónica de Málaga. La mayor parte de sus conciertos, sean de cámara o sinfónicos, se realiza en los espacios de algunos de los centros mencionados y muy especialmente en espacios escénicos como el Teatro Cánovas, el Teatro Echegaray, la Sala María Cristina o el Teatro Cervantes, sede de la temporada de abono. La OFM, tiene el apoyo del Ayuntamiento de la ciudad y de la Junta de Andalucía. Está plenamente activa, consciente de que nuevas iniciativas son urgentes. Algunas verán la luz inmediatamente, pero se abre una brecha entre el contenido y el continente. Programas de enorme trascendencia y que requieren un esfuerzo no solo artístico sino también administrativo sufren de la falta de espacios adecuados, una buena sala de conciertos y de grabaciones, salas de ensayos técnicamente preparadas, espacios adyacentes para el estudio y para los ensayos parciales o de cámara, una infraestructura administrativa, de gestión y administración equipada para el desarrollo de cada proyecto, de cada evento… Cada concierto es un acontecimiento, no lo olvidemos. Todos hemos experimentado la enorme diferencia que se advierte entre la acústica de una buena sala de conciertos, concebida para el sonido natural, y las limitaciones que impone un espacio pensado para la palabra o para el sonido amplificado. Málaga hoy no tiene el espacio que la orquesta necesita y merece. ¿Cuándo llegará el Auditorio? ¿Cuándo la Orquesta Filarmónica de Málaga verá recompensado el esfuerzo de veinte años para dar testimonio de lo que es la música en mayúsculas servida por una orquesta también en mayúsculas? La actividad no se detiene, es más, se multiplica. La orquesta continuará creciendo en calidad y convicción. Ojalá un día no muy lejano nos encontremos en nuestra propia casa y podamos continuar sorprendiendo a la ciudad y al mundo.