Hablamos con Silvia Márquez y Antonio Clares, líderes del grupo y animadores incansables de proyectos como el presente que han asentado el prestigio de la formación.

Que un grupo español sea el primero en grabar a nivel mundial esta integral de las “sinfonías Salomon” de Haydn resulta, a priori, sorprendente.

Es cierto. No existe una grabación integral de estas versiones de Salomon hasta el momento. Sí hay tres o cuatro grupos extranjeros que tienen grabadas algunas de las sinfonías en uno o dos discos. Pero como integral es la primera vez que aparece, y eso suponía un reto importante tanto para nosotros como para el sello discográfico, Música Antigua Aranjuez. A modo de reivindicación, podemos decir que estamos contentos de que sea un grupo español el que haya realizado esta integral. En esto debemos dar las gracias a Javier Estrella, porque de su mano estaba haberla encargado a cualquier grupo extranjero, como viene siendo costumbre en numerosas ocasiones en este país.

Algo está cambiando probablemente en el panorama de los grupos españoles.

Sí, efectivamente. Creemos que es hora de que se empiece a reconocer el trabajo de tantos músicos y grupos españoles que ven cerradas sus posibilidades aquí, por ser españoles, y allá, fuera de nuestras fronteras, por ser españoles. En cierto modo pareciera que los grupos españoles estamos obligados a dirigir nuestros esfuerzos únicamente a la recuperación de nuestro patrimonio, que ciertamente es importante, y que el repertorio universal es tarea de grupos foráneos.

La Tempestad es un grupo de formación variable y en este proyecto habéis trabajado con un número estable de músicos. Eso habrá tenido sus ventajas.

Las Sinfonías de Salomon nos han permitido contar durante muchos conciertos con el mismo número de músicos y crear así una complicidad que se siente en directo. Salomon nos ha dado la posibilidad de tocar con un número reducido de músicos estas obras maestras y de manejarlas a nuestro antojo, como si de un cuarteto de cuerda se tratara; el disfrute de la música orquestal mezclado con la inquietud de ser responsable único de cada voz, y, por tanto, tener también efecto directo en el resultado final. La belleza de estas versiones radica así en la frescura del diálogo espontáneo de la música de cámara. Como venimos diciendo hace tiempo, este ha sido uno de los mayores retos de nuestra vida musical. Y tenemos que agradecer a Salomon, más de doscientos años después, que se tomara el inmenso trabajo de realizar estos arreglos, además a conciencia y con gran oficio, como lo hizo.

El proceso de gestación de este proyecto ha sido largo.

Sí, ha sido bastante largo, y su origen está absolutamente ligado al Festival de Música Antigua de Aranjuez, donde tocamos por primera vez una de estas sinfonías en 2005. Javier Estrella, director del festival, nos propuso la grabación de la integral y, tras varias conversaciones, se firmó el convenio con el Auditorio y Centro de Congresos “Víctor Villegas” de la Región de Murcia. Sin la confianza plena de ambas partes en el grupo y el proyecto para nosotros hubiera resultado imposible acometer esta empresa.

Pero antes de la grabación las sinfonías se han escuchado en bastantes escenarios.

Desde esa primera aparición en Aranjuez hemos tenido la oportunidad de rodar las sinfonías en numerosos lugares: Teatro Real de Madrid, Auditorio de Murcia, Mayo Musical (Huesca), Festival de Música Española de Cádiz, Santillana del Mar, Auditori del Vendrell, Festival de Chiquitos (Bolivia), Encuentro Europeo-Boliviano de La Paz, Ciclo de la Real Capilla de Santa Isabel de Portugal en Zaragoza, etc. La grabación también ha tenido diferentes localizaciones: comenzó en el Auditorio de La Alberca (Murcia), cedido por el Ayuntamiento de Murcia (gracias a Paco Franco Saura); continuó en el Auditori del Vendrell (con la colaboración y ayuda de Juli Grandía y su equipo); y finalizó en el Teatro del Palacio Real de Aranjuez.

Una grabación de este estilo siempre es también un juego y una aventura musical excitante.

Durante todo el proceso, los ensayos y grabaciones han sido, desde el atril, apasionantes y a la vez desconcertantes, debido a la partitura. Nuestra grabación está basada en un ejemplar de una edición de Salomon, publicada hacia 1800, cuyo original está en manos de Christopher Hogwood, gran estudioso de esta música. Apasionante ha sido tener delante la parte que los músicos del momento utilizaban, con sus propias anotaciones. Apasionante ha sido ver las diferentes articulaciones, por ejemplo, tanto entre la versión de Salomon y en el original de Haydn como entre las propias partes de una misma sinfonía, de manos de los músicos que utilizaron esta edición. Y aquí es donde viene el desconcierto: las incongruencias de las anotaciones nos ha llevado a más de un rato de discusiones, risas, sorpresas, decisiones, exasperación… y a la convicción de que la flexibilidad existía y de que se puede utilizar como juego expresivo.

Un proyecto de esta envergadura necesita de mucho compromiso por parte de muchas personas.

Claro, porque un proyecto tan prolongado en el tiempo está expuesto a muchos tipos de problemas, desde lo económico y puramente organizativo hasta lo personal. Detrás, en el día a día de la organización de La Tempestad, somos tres (Iñaki de Verástegui, Antonio Clares y Silvia Márquez), pero ha habido muchas personas gracias a las cuales el proyecto finalmente ha podido ver la luz. Paco Franco y Juli Grandía nos facilitaron la utilización de los auditorios de La Alberca (Murcia) y El Vendrell, donde se realizó la grabación de los dos primeros discos. Y, desde luego, el proyecto ha sido posible gracias a la gran implicación de los músicos: para todos nosotros es una experiencia gratificante, por supuesto, pero en muchísima mayor medida también extenuante. Y por otra parte el hecho de que el resultado se haga esperar en ocasiones desanima… De ahí nuestra ilusión ahora, al ver que, finalmente, el fruto de tanto esfuerzo sale a la luz.

Haydn, y sobre todo Salomon, podría decirse que son personajes que, además de músicos, hoy estarían de actualidad por su visión “empresarial” de la cultura y de la música en particular.

Efectivamente. Desde su llegada a Londres, Haydn tuvo que lidiar con una intensa vida social, intentó ser absolutamente cordial y diplomático y guardar buenas relaciones con las altas esferas, los programadores, los músicos y el público. Él era consciente de la necesidad de componer de un modo u otro dependiendo del éxito de la última sinfonía estrenada. Sorprende el espíritu empresarial con el que fueron concebidas sus doce últimas sinfonías, tanto en su versión orquestal como en el arreglo de Salomon. Él sabía que, más allá de sus aspiraciones morales y artísticas, su música tenía que agradar al público que, de otro modo, no pagaba el abono para los conciertos. El Morning Chronicle refería en un artículo de 1792 la existencia de al menos dieciséis series de conciertos de pago en Londres, aparte de las fiestas privadas, en las que el público podía admirar a directores e intérpretes de prestigio. Queremos creer que la competencia en aquel momento fue un factor esencial en la creación del rico entramado cultural de la metrópolis, riqueza de la que tanto se jactaban en los mismos periódicos: los conciertos se publicitaban y los intérpretes y directores de calidad servían de reclamo para un público de pago. Ojalá se repitiera esto en cualquiera de nuestras ciudades.

Hoy parece que no tenemos estas ideas tan claras.

Sí, parece que hemos dejado un poco de lado este aspecto. Hemos olvidado que el público va a los conciertos a disfrutar. Es cierto que en época de Haydn su música era estrictamente “contemporánea” y lo que se escuchaba era novedoso. Pero hoy, ¿qué pasa con la música contemporánea? Apenas recibe afluencia de público, quizás porque no está concebida para gustar. Si no conseguimos audiencia con la música que se compone hoy en día y no sabemos atraer a nuestros conciertos a un público que sabemos que disfruta con la música clásica… ¿qué va a ser de lo que llamamos “música culta”?, ¿qué va a ser de los alumnos que aprenden, amando la música, en los numerosos conservatorios españoles? Teniendo en cuenta las muchísimas opciones contra las que debe competir un concierto de música clásica (televisión, radio, cine, internet, pop, rock…) creo que está en nuestras manos despertar de nuevo el interés por este repertorio.

Despertar un nuevo interés, conquistar nuevos públicos para la “música culta” siempre estamos considerando que es una asignatura pendiente.

En nuestra opinión, despertar este interés pasa por dos principios básicos: calidad de la música, si la oferta no es buena el público no vuelve; y comunicación, antes, durante y después del concierto. El factor social tan obvio en el momento londinense de Haydn y Salomon, la relación público-intérprete y la comunicación en directo son los únicos valores externos –entendiendo como internos la calidad de las obras y de la interpretación– que ahora, frente a todos los avances tecnológicos que se ofertan, tiene la música clásica.

El momento económico es difícil y parece evidente que se va a hacer necesario cambiar las “reglas” por las que se regía la interpretación y difusión de la música culta y muy especialmente los grupos van a tener que plantearse nuevas formas de funcionamiento.

En estos momentos en los que las subvenciones, las ayudas públicas y la inversión en cultura caen en picado, la continuidad de un grupo pasa por la creación de pequeños ciclos propios, al estilo de los grupos ingleses o franceses, y por la creación de vías de patrocinio, la creación de un entramado que permita al grupo poder avanzar con nuevos proyectos artísticos y a los músicos una cierta estabilidad, necesaria también para que la implicación y la ilusión continúen. Hoy por hoy es imposible, y además no tiene ningún sentido, que un grupo sobreviva tocando en dos o tres festivales importantes o especializados al año.

Vosotros ya estáis dando pasos en ese sentido.

Sí. El pasado mes de octubre presentamos en la Ermita de San Antonio el Pobre (Murcia) el ciclo “Diálogos íntimos”, en colaboración con la Concejalía de Turismo del Ayuntamiento de Murcia, que iniciará su andadura de modo estable en 2012: pequeños conciertos en un espacio con encanto, en la montaña, con un aforo limitado pero que plantea un nuevo modo de escuchar los conciertos, en contacto directo con los intérpretes. Estos conciertos serán de pequeño formato, con uno, dos o tres intérpretes. Se escucharán programas que siempre hemos creído muy interesantes: todos los compositores de la historia han escrito obras para uno y dos instrumentos, obras de gran valor y belleza que son difíciles de escuchar en directo hoy en día o que a menudo no encuentran el marco adecuado.

Y además vuestra “residencia” en el auditorio murciano.

El inicio de la colaboración con el Auditorio y Centro de Congresos “Víctor Villegas” de la Región de Murcia supone para La Tempestad un reconocimiento y un apoyo muy necesarios en este momento, con la posibilidad de contar con unas estupendas instalaciones para ensayos, grabaciones y conciertos y la tranquilidad de poder organizar con tiempo el estreno de los proyectos de cada temporada. Diversificar nuestras actividades y tocar y tener un público aficionado, que apoye y disfrute con los proyectos y conciertos que el grupo realiza, es imprescindible. 2012 va a ser el punto de partida de muchos pequeños proyectos que se han ido cociendo poco a poco, y que iremos anunciando en nuestra página web. Y queremos creer, ante el panorama desolador que se avecina, que es posible, por parte de los músicos, tomar parte de las riendas de la cultura musical. Nos va a tocar actuar como empresarios, organizar nuestros propios proyectos, crear un entramado parecido al Londres que se encontró Haydn, sentirnos todos un poco “Salomon”. En ello estamos…

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UNA GRABACIÓN HISTÓRICA DE LAS DOCE “SINFONÍAS SALOMON”

Para la edición La Tempestad se ha servido de un original de 1800 con notas de los propios músicos contemporáneos de Haydn

La grabación por La Tempestad de las doce Sinfonías Salomon de Haydn es desde ya una grabación histórica, al ser la primera ocasión en que estas obras se registran por una misma formación y dentro de un concepto de “obra global”, desde la perspectiva de la recuperación no solo de un sonido, sino del espíritu de una música y una época. Las Sinfonías Salomon nacen de la relación establecida entre compositor y “empresario” y de los viajes que el primero realiza a Londres entre 1791 y 1795. “Haydn –dice Emilio Moreno en las notas a las grabaciones– es esperado con la máxima expectación, y junto a una frenética vida social de visitas y asistencias a eventos, nuestro músico trabaja junto a dos sinfonías, la 96 y la 95, sus primeras de la serie londinense, en una ópera nueva que le tendrá ocupado hasta el verano, L’anima del filosofo. (…) El éxito es total y absoluto, y el Diary londinense es entusiasta con el evento tan largamente esperado en el que al final se oye a Haydn como director y compositor. Su triunfo es inmediato”. Y así continuó en los siguientes años. “En agosto de 1795, poco antes de la partida definitiva de Haydn para Viena, firma con Salomon un contrato por medio del cual el compositor cede al violinista y empresario los derechos de sus seis primeras sinfonías londinenses. Más adelante, en febrero de 1796, Haydn firma la cesión de las seis últimas, con lo cual Salomon a partir de este momento se convierte en el verdadero propietario de las doce sinfonías que se han convertido en Europa en las composiciones más oídas y deseadas. En 1798 se realiza el arreglo de estas  sinfonías, siempre de la hábil mano de Salomon, esta vez para quinteto (flauta, dos violines, viola y violonchelo) con el añadido de un fortepiano “ad libitum” al que, no indicado pero obligado por la tradición, se podía (y debía) añadir un contrabajo junto al violonchelo, con lo que la riqueza en detalles, colores, matices y relieve de la estructura interna de las obras mejora de manera radical, y, con un orgánico reducido, se alcanzan grados altísimos de fidelidad sonora del original sin perder por ello la accesibilidad de medios que da un conjunto reducido a siete solistas. La grabación realizada por La Tempestad se ha hecho a partir de un ejemplar de una edición de Salomon de hacia 1800 que lleva indicaciones añadidas “a posteriori” por los músicos que las interpretaron en aquellos años, que dan especial luz al lector de nuestros días de cómo realmente las pudieron interpretar unos músicos que estaban muy próximos en el tiempo, y puede que hasta personalmente, al autor y su espíritu. No cabe duda que el segundo arreglo de Salomon aproxima infinitamente más el material al sonido original: la textura casi transparente y sobria de un trío en el que el fortepiano se ocupa de todo y solamente recibe las tenues pinceladas de color de un violín y un violonchelo optativos, es sustituida por la mucho más contundente y rica coloración de un cuarteto de cuerda al que el particular timbre de la flauta y la riqueza armónica del piano, con el lógico aporte de un contrabajo que el grupo La Tempestad inteligentemente añade, da un empaque y textura orquestal a un conjunto que, sin ser obviamente la versión completa con su perfecta luminotecnia y equilibrio dinámico, no resulta “pequeño” sino rotundamente íntimo, sin que se pierda la esencia de unas obras maestras que hoy siguen sonando tan frescas y rozagantes como el día de su estreno”.  

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http://www.latempestad.es

Si el pasado mes la Orquesta Barroca de Sevilla (OBS) era noticia importante por haber sido distinguida con el Premio Nacional de Música, este mes vuelve a captar el interés del mundo musical por la presentación de su disco dedicado a Haydn, “probablemente el mejor disco que hemos grabado hasta ahora”, en palabras de Ventura Rico, cofundador de la orquesta y líder natural de la misma en estos dieciséis años de trabajo incansable y de presencia ejemplar en el panorama musical español. La OBS no es solo una formación modélica, también es singular, única. Una realidad sobre la que, a menudo, desde dentro y desde fuera uno se pregunta cómo es capaz de resistir en un contexto en el que los “grupos independientes” tratan de sobrevivir y de mantenerse con esfuerzo, imaginación y mucha economía de medios, pero sin renunciar nunca a poner en los escenarios un proyecto musical de calidad contrastada, equiparable al trabajo que puedan realizar agrupaciones extranjeras. En el mundo de los “grupos independientes” españoles, en donde al menos puede contarse una docena de propuestas de primer nivel internacional, la OBS es una referencia.

La Orquesta Barroca de Sevilla, como señalamos, ha cumplido ya sus primeros dieciséis años de vida. Un proyecto nacido de la ilusión de un grupo de músicos y que, quizá, fue analizado con cierto escepticismo en sus primeros pasos hasta conseguir atraer no solo la atención de las “autoridades culturales” de la ciudad, sino sobre todo la de sus ciudadanos. Porque si alguna característica importante se puede señalar de este proyecto musical es la absoluta comunión existente entre la orquesta y el público sevillano. En cierta forma es el público, son los aficionados, los que a lo largo de estos años han conseguido insuflar el aliento necesario para sortear las múltiples dificultades y los momentos de crisis.

La concesión del Premio Nacional de Música por parte del Ministerio de Cultura ha significado un espaldarazo importante a la larga y difícil tarea desarrollada en estos años. “Para nosotros –explica Ventura Rico– el premio tiene una importancia fundamental. Creemos que esto nos va a servir para dar con mayor facilidad algunos pasos importantes, para obtener el conocimiento y la posición a la que aspiramos. Pero también creemos que el premio es un reconocimiento hacia los grupos independientes españoles, que estamos realizando una labor de primer nivel y esencial en el panorama cultural español”.

En los últimos diez años los Premios Nacionales de la Música, en su categoría de interpretación, han recaído en seis ocasiones en intérpretes individuales y en otras cuatro en “agrupaciones independientes” (Al Ayre Español, Grup Intrumental de Valencia, Cuarteto Casals y Orquesta Barroca de Sevilla). Esta presencia de “grupos independientes” entre los premiados podría significar que existe un reconocimiento oficial hacia el trabajo que desarrollan, reconocimiento que, en palabras de Ventura Rico, “no se traduce después en una presencia suficiente en los escenarios españoles. Se ha configurado una oferta musical, básicamente, a través de la actividad de las orquestas sinfónicas y los teatros de ópera. Los grupos independientes, los grupos que hacemos música de cámara, estamos en situación dispar. Es preciso que se reconozca la importancia de nuestra actividad como parte fundamental del tejido cultural”.

El premio llega a la OBS en un momento en el que la crisis económica y social ha hecho mella en los presupuestos culturales, pero a pesar de ello Rico señala que “haya o no crisis, que la hay, hay que tratar de olvidarse de ella. Tenemos que mirar hacia el futuro, tenemos que alentar nuestra imaginación y redoblar el esfuerzo, encontrar soluciones, salir adelante. No hay que tirar la toalla”.

Con el aire fresco insuflado por el premio la OBS ha recobrado nuevos bríos para sostener sus objetivos. “Estamos haciendo las cosas con una gran categoría artística–señala Ventura Rico–, con una calidad comparable a la de cualquier orquesta europea. Tenemos una gran ambición y obtenemos resultados estupendos. Estamos desarrollando un gran trabajo de recuperación de patrimonio y además, como en el caso de Haydn, afrontamos el repertorio más internacional. En Sevilla tenemos una gran presencia, pero necesitamos dar el salto fuera hacia escenarios nacionales e internacionales”.

Los grupos independientes españoles vienen reclamando su espacio y sostienen que es necesario contar con políticas que hagan posible su sostenimiento. La reivindicación es antigua y es un “leit motiv” repetido una y otra vez por los responsables y gestores de los grupos independientes españoles. “Y deberemos insistir hasta que aquellos a quienes corresponda tomen conciencia de que en nuestro país necesitamos otro tipo de estructura musical. Hace falta que nos demos cuenta de que este es un sector profesional muy importante, que tiene un interés fundamental para la cultura”, dice Rico.

Pero, como explica el cofundador de la orquesta, ahora lo importante es mirar hacia el futuro. Sostenidos en una parte con ayudas del Ayuntamiento de Sevilla, la Junta de Andalucía y la Universidad de Sevilla, y en otra parte con el producto de sus conciertos, la OBS se propone para 2012 completar una temporada de doce conciertos en Sevilla –orquestales y de cámara–, con el apoyo del consistorio sevillano y volver a pisar las tablas del Teatro de la Maestranza, en donde este año han conseguido un rotundo éxito con su Orfeo y Euridice de Gluck. En 2012 estarán en la Maestranza con El triunfo del tiempo y del desengaño de Handel. Fuera de Sevilla dos escenarios importantes, el Auditorio Nacional de Madrid y el Festival de Música Antigua de Barcelona, ya están también en su agenda de 2012, y “seguimos trabajando por conseguir una presencia internacional. Estamos diseñando un plan de acciones en este sentido que esperamos que den pronto sus frutos”.

En el pensamiento de Ventura Rico aún queda un reto, un objetivo final, una misión importante que plasmar con la OBS. “Mi sueño sería ver cumplido el objetivo de contar con una orquesta en la que los músicos pudieran tener una situación, un estatus, a medio camino entre la seguridad y la libertad. Es decir que pudieran tener una dedicación fija a la orquesta durante unos días de cada mes y que pudieran tener también la libertad de dedicar el resto de su tiempo a los proyectos que cada uno considerara más interesantes. Creo que esta fórmula sería perfecta desde todos los puntos de vista. Además sería una manera de abaratar costes, lo que resulta muy importante en estos momentos”.

Dieciséis años soñando, igual un día de estos los profesionales de la OBS consiguen lo que se proponen. No será por falta de ilusión y trabajo.

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LA OBS PRESENTA GRABACIONES DE FRANZ J. HAYDN Y PEDRO RABASSA

-      Dos discos que simbolizan el doble trabajo interpretativo de la agrupación sevillana.

-      Grandes obras del repertorio universal y recuperación de patrimonio.

“Nos encontramos en un excelente momento interpretativo y con muchas ganas de trabajar, así que, aunque suene extraño, estamos realizando más grabaciones que en cualquier otro momento. Este año salen cuatro y ya tenemos en marcha varios proyectos discográficos para el año próximo”, explica Pedro Gandía Martín, uno de los fundadores de la Orquesta Barroca de Sevilla y Director Artístico de la agrupación desde 2001.

Resulta, a priori, sorprendente que en estos momentos no fáciles para ninguna agrupación musical la OBS termine el año con la presentación de dos discos, el primero dedicado a las Sinfonías de Haydn y el segundo a la recuperación de patrimonio musical andaluz, en el contexto del Proyecto Atalaya, en este caso la obra de Pedro Rabassa que se encuentra en los archivos de la Catedral de Sevilla.

El disco dedicado a Haydn contiene las Sinfonías 13, 31 y 36 y ha estado dirigido por Christopher Coin. “Curiosamente –dice Gandía– a nosotros siempre se nos había reconocido por la dedicación que le hemos prestado como intérpretes de Franz J. Haydn, con cuya música siempre hemos mantenido una identificación especial. Pero a pesar de esa dedicación nunca habíamos grabado un disco con música de Haydn en nuestra discográfica. Reconozco que fue una apuesta arriesgada cuando hace más de un año decidimos lanzarnos a este proyecto, que exigía mucho esfuerzo, porque requería de una orquesta potente y de gastos importantes. Hoy no nos arrepentimos de nada porque es sin duda nuestro mejor disco”.

El disco fue grabado en el Centro Cultural de la Villa de San José de la Rinconada los días 25, 26 y 27 de octubre de 2010 y esta grabación se mantiene en la memoria de los músicos como un capítulo destacado de su historia en común. Gandía señala “los casi nueve minutos del Adagio Cantabile de la Sinfonía nº 13“ como uno de los pasajes en los que la orquesta conquistó “la excelencia musical”, la armonía conseguida entre todos los músicos, ayudados por Coin, “el violonchelista que mejor interpreta a Haydn”.

Paralelamente se presenta también el disco dedicado a los Archivos de la Catedral de Sevilla y en concreto al que fue su maestro de capilla en el siglo XVIII, Pedro Rabassa. En este disco titulado Et in terra pax participan, además de la OBS, La Hispanoflamenca y la soprano Raquel Andueza, todos ellos bajo la dirección de Enrico Onofri. El trabajo se enmarca dentro del Proyecto Atalaya, al que dedicamos un apartado en estas páginas.

“Este duplicidad de intereses, entre las grandes obras universales y nuestro patrimonio, revela claramente el espíritu de la OBS –dice Pedro Gandía–. Nosotros tenemos claro que queremos y sabemos tocar lo más importante del repertorio universal y que además el acceso a ese gran repertorio nos prepara mejor, nos hace mejores músicos para afrontar también el difícil trabajo de recuperación de nuestro patrimonio musical.”

En esta misma línea para el año próximo preparan otras dos grabaciones. Una que, probablemente, estará dedicada a música pre-romántica y otra que dirigirá también Christophe Coin y se enmarca en su trabajo de recuperación de patrimonio musical con obras de Gaetano Brunetti (Fano, 1744 – Colmenar de Oreja, 16 de diciembre de 1798), violinista y compositor italiano que pasó la mayor parte de su vida en Madrid al servicio de los reyes Carlos III y Carlos IV. En el futuro, a medio plazo, también se plantean grabar música de Carl Philip Emmanuel Bach.

Como es bien sabido, tras el periodo inicial con Barry Sargent, la OBS no ha contado con un Director Titular, si bien ha mantenido largas colaboraciones con algunos músicos, como Monica Huggett. La filosofía del grupo ha sido siempre la de “seleccionar al mejor director para cada repertorio” y a la vez “poder implicarles en nuestros proyectos, poderles mostrar nuestro repertorio, nuestro patrimonio. Esta forma de trabajar –dice Gandía– nos está dando unos excelentes resultados”.

Los nombres de Onofri, Carmignola, Leonhardt, Kuijken o Coin, por poner algunos de los colaboradores habituales de la OBS, han dado una nueva dimensión al grupo. “Y tenemos que ser ambiciosos en esta línea, tenemos que seguir apostando por ampliar nuestras colaboraciones con grandes músicos”

Pero también existen otras razones que hacen que la Barroca sevillana tenga un sonido especial y no es la menor el hecho de que en su formación sigan estando básicamente la mayoría de los músicos que iniciaron el proyecto hace más de quince años y que ha habido incorporaciones nuevas de músicos de un nivel excepcional. “Es un grupo muy fuerte, muy unido. Hemos creado un ímpetu especial entre todos. Muchos de los músicos tocan también en otras formaciones pero todos coincidimos en que cuando tocan con la OBS hay más impulso colectivo, hay una fuerza diferente”, señala Gandía.

A pesar de ello la situación no está exenta de problemas. Uno de los que más preocupa a Gandía es poder contar de forma definitiva con una sede estable, con un lugar donde poder ensayar con buenas condiciones y con continuidad. “Nosotros pensamos que no tiene que ser muy difícil encontrar un lugar para la orquesta en una ciudad como Sevilla que cuenta con tantos edificios. Pero hasta ahora no hemos podido contar con esa sede. Esperemos que ahora con el Premio Nacional este tema se reactive y sea posible contar con nuestro propio espacio”.

Gandía reconoce también que el Premio significa un impulso para el plan de internacionalización de la Orquesta. “El impulso ha sido brutal. Hemos recibido mails de Copenhague, de Nueva York. Nos ha salido una colaboración con la Unesco, en Francia, en Alemania, y nos han llamado de sitios que no se habían puesto en contacto con nosotros hasta ahora”, declara Gandía. Entre los objetivos, ahora, despunta lograr una mayor atención de la crítica internacional y consolidar fuera la difusión de sus lanzamientos discográficos.

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Proyecto Atalaya: Recuperación del patrimonio musical andaluz

Tres son los trabajos de recuperación del patrimonio musical andaluz desarrollados hasta el momento por la Orquesta Barroca de Sevilla en el marco del “Proyecto Atalaya”. El último de estos proyectos está dedicado a “Espacio, sonido y afectos en la Catedral de Jaén: la música policoral de Juan Manuel de la Puente (1692-1753)”. La música ha sido grabada en el mes de noviembre y junto con la OBS participan el Coro Juan Manuel de la Puente y los solistas María Espada, soprano, Marta Infante, mezzosoprano, y Jesús García Aréjula, barítono, todos ellos bajo la dirección de Enrico Onofri.

El Proyecto Atalaya, promovido en 2005 por la Consejería de Economía, Innovación y Ciencia de la Junta de Andalucía para la intensificación y la interacción de las iniciativas culturales, reúne las iniciativas de las diez universidades públicas andaluzas. En 2009, dentro del marco Atalaya, la Universidad de Sevilla y la OBS pusieron en marcha un Proyecto de Recuperación del Patrimonio Musical Andaluz con el objetivo fundamental de recuperar parte del patrimonio musical conservado en los archivos históricos de Andalucía. El objetivo es ambicioso: desarrollar un proyecto integral de recuperación y difusión de la música antigua que constituye el patrimonio andaluz, consistente en una labor de localización, selección, estudio, trascripción, edición crítica, grabación, publicación, interpretación en vivo y máxima difusión del rico patrimonio musical que se atesora en los distintos archivos musicales andaluces. La interpretación va acompañada de la grabación en CD y de la publicación de un volumen con la edición crítica de las partituras.

Fruto de la primera fase de este proyecto, la Orquesta Barroca de Sevilla recuperó en 2009 obras de J. F. Iribarren (1699-1767) procedentes de los archivos de la Catedral de Málaga. Bajo el título de Pardiobre!, participaron en el disco Marta Almajano y Lluís Villamajó con la dirección de Alfredo Bernardini. En 2010 el trabajo se centró en la música de la Catedral de Sevilla y en las obras compuestas por quien fuera su maestro de capilla durante más de 40 años en el siglo XVIII: Pedro Rabassa. El disco recientemente editado, como comentábamos anteriormente, lleva por título Et in terra pax. Y en 2011, como hemos señalado, se ha trabajado sobre los archivos de la Catedral de Jaén y el pasado mes de noviembre se inició la grabación de un tercer disco dedicado, en esta ocasión, al músico Juan Manuel de la Puente.

Además de estas recuperaciones de las catedrales andaluzas la OBS también ha recuperado y grabado en 2010 obras del catalán Carles Baguer (Barcelona, 1768 – 1808) bajo la dirección de Manfredo Kraemer. El disco contiene cuatro sinfonías y la obertura del oratorio El regreso del hijo pródigo. Baguer, compositor y organista de la catedral de Barcelona escribió abundantes obras religiosas, incluidos varios oratorios, así como un buen número de piezas para órgano y otros instrumentos de teclado, pero su contribución más importante fueron diecinueve sinfonías.

El teatro prosigue además con su programación de zarzuela y ópera y con sus Cuartitos, y en los próximos meses ofrece una amplia lista de nombres importantes que pasarán por su ciclo de conciertos. Uno de ellos será el del contratenor vitoriano Carlos Mena, que estará en Bilbao el 8 de febrero. Para la ocasión ha preparado un concierto cuya segunda parte está dedicada en buena medida a músicos vascos. R. Vaughan Williams, F. Liszt, F. Sor, M. Rodríguez de Ledesma, Blas de Laserna, A. Isasi, A. Donostia, F. Ibáñez, G. Erkoreka y F. Escudero podrán escucharse con el acompañamiento de la pianista Susana García de Salazar.

Otro de los grandes nombres que llegará al Arriaga será el de la soprano navarra María Bayo, habitual del teatro. Acompañada de Rubén Fernández Aguirre, la cantante ofrecerá el 10 de mayo un homenaje al compositor Xavier Montsalvatge (1912-2002), coincidiendo con el centenario de su nacimiento. Interpretará una amplia antología de sus canciones, algunas de ellas infrecuentemente programadas en las salas de concierto. El mismo pianista acompañará a Ismael Jordi en su concierto del 20 de marzo. El joven cantante, a quien ya pudo escucharse en el Arriaga en una de sus primeras intervenciones en la zarzuela Los Gavilanes, ofrecerá un recital de canción, ópera y zarzuela.

Apenas unos días después, los días 23 y 24, la Orquesta de Euskadi presentará una nueva edición de KlasikAT, una iniciativa con la que pretende ampliar su oferta a otros públicos mediante su incursión en repertorios alejados de la música clásica. Tras la experiencia con el pianista de jazz latino Michel Camilo, en esta ocasión es el acordeonista y compositor Kepa Junkera quien interpreta, junto a la Orquesta de Euskadi y a su grupo habitual de piano, batería, txalaparta y pandero, obras muy conocidas de su repertorio en arreglos realizados por integrantes del grupo de Fréderic Manoukian. Los conciertos estarán dirigidos por Enrique Ugarte.

Y para cerrar un marzo intenso, el día 26 se ha programado el Réquiem Alemán de Johannes Brahms, dentro del BAS (Bilbao Ars Sacrum), organizado por la Fundación Bilbao 700-III Millenium Fundazioa en el 125 Aniversario de la Sociedad Coral de Bilbao. La obra fue estrenada en España por la Sociedad Coral de Bilbao en 1913 en un concierto en el Palau de la Música de Barcelona con la Orquesta del Liceo y el maestro Guridi. Su interpretación estará ahora a cargo de la Sociedad Coral de Bilbao y de Das Neue Orchester, fundada por su director Christoph Spering en Colonia en 1988. El Arriaga celebra también otro concierto conmemorativo de la Sociedad Coral de Bilbao el 26 de mayo con la participación del Coro del Conservatorio de la Coral de Bilbao y la Orquesta Sinfónica de Bilbao bajo la batuta de Günter Neuhold.

El último concierto del ciclo lírico será el de Rolando Villazón. El gran tenor mexicano, una de las máximas figuras mundiales del universo de la lírica, llegará a Bilbao el 22 de junio con un programa compuesto por obras de Robert Schumann, Gabriel Fauré y Henri Duparc.

José Manuel Pérez Rey